The Dubliners / Thin Lizzy / Metallica. “Whiskey in the Jar”

El tema “Whiskey in the Jar” es bien conocido en el ámbito del hard rock y el heavy metal, sobre todo desde que la banda Thin Lizzy decidiera grabar una versión –nuestro segundo vídeo destacado-, que acabaría siendo publicada como single a finales de 1972.  Según nos cuentan los amigos de Rockología, la versión de Thin Lizzy surgió de casualidad:

“En una fiesta Phil Lynnot comenzó a tocar canciones irlandesas para pasar el rato con una Telecaster y llegó a Whiskey in the jar. Eric Bell se lio a acompañarle con su guitarra. Brian Downey, un poco borracho, empezó a tocar la batería. Fue divertido pero ahí quedó, sin más. Cuando semanas después entraron a grabar un nuevo single (Black boys on the corner) no había nada para la cara B, por lo que tomaron el tema como alternativa. Lynott cambió la letra, la melodía y el tempo, sobre todo en el estribillo, y Bell añadió la introducción y el riff principal. Decidieron grabarlo con batería y dos guitarras acústicas, sin guitarras eléctricas ni bajo. Y a otra cosa” (Rockología).

Desde entonces, otros rockeros también se han animado con esta canción, es el caso de Gary MooreSmokie, U2, Simple Minds o Metallica, los protagonistas de nuestra tercera opción de hoy -formó parte de “Garage Inc.” (1998), un álbum de versiones-. Sin embargo, el origen de esta melodía tradicional irlandesa está bien alejado del rock; probablemente se remonte al siglo XVII, desde entonces se ha ido transmitiendo, de manera oral, hasta que fue recuperada por los coleccionistas de canciones y tradiciones populares durante el primer tercio del siglo XX. Las primeras grabaciones datan de los años cincuenta (Seamus Ennis, Burl Ives) y sesenta (The Highwaymen, The Seekers, Peter Paul & Mary, The Brothers Four, etc.), a menudo bajo otros títulos diferentes a “Whiskey in the Jar”; incluso es posible que exista una grabación más antigua, de 1941, a cargo de Lena Bourne Fish. La canción se hizo definitivamente conocida a partir de la versión del grupo folk irlandés The Dubliners, fue incluida en su álbum “More of the Hard Stuff” (1967). La letra de la canción tiene muchas variantes, en función de la versión o adaptación que escuchemos pero, en síntesis, nos cuenta la historia de una traición: un bandolero roba a un oficial, con el botín acude a su amada y ésta le jura fidelidad, sin embargo el oficial estaba escondido en la habitación de la chica, tal y como ella le había indicado; el bandolero, sorprendido y alarmado, saca su pistola y mata al oficial. Si aún os apetece seguir escuchando otras versiones de esta melodía tradicional, podéis probar con las de The Pogues & The Dubliners, The Grateful DeadChristy Moore, Roger McGuinn & Tommy Makem, Johnny Logan, The Irish Rovers, Poxy Boogards, Celtic Thunder o Jerry García & David Grisman.

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Queen. “Teo Torriate (Let Us Cling Together)”

“A Night at the Opera” (1975) es, para quien esto escribe, el mejor álbum de Queen; a él pertenecen temas inmortales como “Bohemian Rhapsody”, “Love of My Life”, You’re My Best Friend” o “Death on Two Legs”, por mencionar sólo algunos. Es normal que el siguiente disco, “A Day at the Races” (1976), fuera en cierto modo una secuela o continuación de aquel; también se tituló como una película de los Hermanos Marx, incluso la portada es bastante parecida. Las canciones que finalmente se lanzaron como sencillos fueron “Somebody to Love”, tal vez el tema más conocido de este Lp, “Tie Your Mother Down” y “Good Old-Fashioned Lover Boy”, aunque hubo otra melodía que también se publicó como single exclusivamente en Japón: “Teo Torriate (Let Us Cling Together)”, precisamente la que cierra el álbum. Esta emotiva y vibrante canción, mi preferida de este disco, fue concebida por Brian May como un homenaje a los fans japoneses de la banda, que siempre estuvieron con ellos incluso antes de que se hicieran muy famosos. En las giras eran recibidos como grandes estrellas del rock, y bien podría decirse que el fervor y la entrega que mostraban los aficionados japoneses era incluso superior a la que los miembros de Queen sentían cuando actuaban en Europa o Estados Unidos.

“Teo Torriate” es la transcripción fonética de la expresión japonesa “vayamos juntos de la mano” (手をとりあって). Fue escrita en inglés, aunque tiene dos coros en el estribillo cantados en japonés, lo que incrementa aún más la implicación del público nipón con esta canción, su canción, sobre todo cuando la interpretan en vivo (aquí lo podéis comprobar, en un directo grabado en Tokyo, en el año 1979); como puede verse en el vídeo, el piano no es tocado por Freddie Mercuy, como era habitual, sino por el guitarrista Brian May, de hecho es la única pieza del disco en la que May se pone al piano. En la parte final de la versión incluida en el álbum (la que preside esta entrada) se incluyen las voces de un coro japonés y un fragmento que, de alguna manera, recuerda el inicio de “Tie Your Mother Down”, el tema con el que comienza “A Day in The Races”, cerrando así el círculo al conectarse la primera y la última canción. “Teo Torriate” fue incluida en “Songs for Japan”, un álbum recopilatorio comercializado para apoyar a los afectados por el terremoto y tsunami de Tohoku de 2011. Como no podía ser de otra manera, esta canción tiene algunas versiones realizadas por artistas japoneses, como la debida a la cantante Kokia.

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Deep Purple / Rock Aid Armenia. “Smoke on the Water”

No tengo ni idea de tocar el piano, pero hace muchos años me divertía con la canción de aquella serie ochentera de dibujos animados titulada “D’Artacán y los tres mosqueperros”; si hubiera querido aprender de verdad, probablemente habría empezado con “Para Elisa”, de Beethoven, como hacían casi todos los que se iniciaban con este instrumento. Sin embargo, cuando empecé con la guitarra sí que seguí los cánones habituales, es decir, el riff de “Smoke on the Water” en una sola cuerda (más adelante ya intentaría hacerlo con todos los dedos). Es tan habitual entre quienes empiezan con la guitarra que, tal y como nos cuenta El Periódico, “en algunas tiendas de instrumentos musicales de cualquier lugar del mundo aún se puede ver un cartel con ese mensaje: ‘Prohibido probar las guitarras tocando Smoke on the Water’”. La historia de este clásico del rock es bastante curiosa.

“In Rock” (1970) y “Fireball” (1971) habían sentado las bases del nuevo sonido Deep Purple, tras su primera etapa psicodélico-sinfónica; a finales de 1971 se habían instalado en Montreaux (Suiza) con el objetivo de grabar su siguiente álbum (“Machine Head”, 1972) en el auditorio del casino de la ciudad. Todo estaba preparado, sólo faltaba que Frank Zappa & The Mothers Invention finalizaran su actuación, sin embargo a un asistente al concierto no se le ocurrió otra cosa que lanzar una bengala hacia el techo; el resultado fue catastrófico, se produjo un gran incendio que obligó a desalojar el edificio, convirtiendo en héroe al promotor y organizador del festival, Claude Nobs, que ayudó a salir a muchas personas que se encontraban atrapadas entre el fuego. Los Deep Purple tuvieron que buscar otro sitio para grabar; primero fue un teatro, del que tuvieron que salir rápidamente, apenas habiendo grabado sólo las bases de la canción provisionalmente titulada “Title no. 1”, debido a las quejas de los vecinos por el ruido que desplegaban; después, se fueron a un subterráneo que había servido de refugio durante la II Guerra Mundial y, finalmente, Claude Nobs consiguió que grabaran el álbum en los salones del Grand Hotel. Aunque el tema está firmado por los cinco miembros de la banda, algunos tuvieron más protagonismo que otros. Ritchie Blackmore fue el artífice del conocidísimo riff de guitarra, con cierto parecido a la bossa nova “Maria Moita”, del brasileño Carlos Lyra, aunque Ritchie lo que ha comentado en alguna ocasión es que se inspiró en la Quinta Sinfonía de Beethoven. El título para ese tema “Title no. 1” se le ocurrió al bajista Roger Glover, cuando vio desde su habitación el humo sobre el lago Lemán; a partir de esta idea, el vocalista Ian Gillan escribió la letra relatando lo que había sucedido aquella noche en el auditorio del casino de Montreaux.

“Smoke on the Water” no fue publicado como single hasta un año después del lanzamiento de “Machine Head”, no obstante pronto se convirtió en un éxito y en una de las piezas imprescindibles en los conciertos. Hay bastantes versiones de esta canción, y no sólo dentro del ámbito del rock (Ian Gillan Band, Rainbow, Joe Lynn Turner, Dream Theather, Joe Satriani, Steve Vai & John Petrucci, Black Sabbath, Metalium, Santana & Jacoby Shaddix, Metallica, Sepultura, Barón Rojo, Judith Mateo, etc.), también las hay desde el jazz (The Cooltrane Quartet), la música brasileña (Emmerson Nogueira) o el ska (The Sankaroos). A pesar de ello, he preferido no destacar ninguna, y dejar sólo otra para acompañar a la original de Deep Purple; me estoy refiriendo a la que se grabó (existe incluso un documental) dentro del proyecto humanitario Rock Aid Armenia, que contó con músicos tan destacados como Bryan Adams, Ritchie Blackmore, Bruce Dickinson, Geoff Downes, Keith Emerson, Ian Gillan, David Gilmour, Tony Iommi, Alex Lifeson, Brian May, Paul Rodgers, Chris Squire, Roger Taylor, John Paul Jones o Jon Lord ¡Ahí es nada!

Barón Rojo. “Concierto para ellos”

Bon Scott (1946-1980) fue vocalista de AC/DC, fallecido el 19 de febrero de 1980 debido a una intoxicación etílica que le llevó a ahogarse con su propio vómito. Janis Joplin (1943-1970) fue una cantante excepcional, símbolo femenino de la contracultura y abanderada del movimiento hippie y la psicodelia; falleció el 4 de octubre de 1970 a causa de una sobredosis de heroína, probablemente bajo los efectos del alcohol. John Lennon (1940-1980) fue un músico, compositor, cantante y artista que formó parte de los míticos Beatles; fue asesinado el 8 de diciembre de 1980 por Mark David Chapman, tras sufrir cuatro disparos por la espalda en la entrada del Edificio Dakota (Nueva York), donde residía junto a Yoko Ono. Duane Allman, genial guitarrista, miembro fundador de la banda de blues-rock y rock sureño The Allman Brothers Band, perdió la vida en un accidente de tráfico, al chocar contra un camión cuando circulaba con su Harley Davidson. Jimi Hendrix (1942-1970), para muchos el mejor guitarrista de la historia del rock, abanderado de la psicodelia, del blues-rock y pionero del hard rock, nos dejó el 18 de septiembre de 1970, intoxicado por barbitúricos y ahogado en su vómito, al igual que le sucediera a Bon Scott. Marc Bolan (1947-1977), músico y cantante británico, líder de la banda T. Rex, una de las figuras más reconocibles del glam rock, abandonó este mundo el 16 de septiembre de 1977 debido a un accidente de coche en Londres, cuando conducía su novia, la también cantante Gloria Jones. John Bonham “Bonzo” (1948-1980) fue uno de los mejores y más duros baterías que ha dado el rock; miembro de Led Zeppelin, murió el 25 de septiembre de 1980 en la casa de Jimmy Page, también ahogado en su vómito después de una noche de excesos alcohólicos y de tipo tipo de sustancias. El multiinstrumentista Brian Jones (1942-1969), uno de los fundadores de los Rolling Stones, falleció el 3 de julio de 1969 ahogado tras sufrir un ataque de asma mientras buceaba en su piscina, aunque también se dice que realmente fue asesinado. Keith Moon (1946-1978), batería de The Who, era conocido como “Moon el chiflado”; murió el 7 de septiembre de 1978 víctima de su afán autodestructivo, al ingerir una cantidad elevada de un fármaco hipnótico y sedante.

Tras la buena aceptación que tuvo su primer Lp (“Larga vida al rock & roll”, 1981), la banda española de heavy metal Barón Rojo grababa su segundo álbum (“Volumen Brutal”) en los estudios Kigsway de Londres, propiedad del cantante de Deep Purple Ian Gillan; fue publicado en febrero de 1982 con diez canciones, algunas tan conocidas y recordadas como “Resistiré”, “Incomunicación”, “Los rockeros van al infierno”, “Las flores del mal” o mi preferida: “Concierto para ellos”, un emocionante homenaje al R&R, con alusiones a bandas como AC/DC, Whitesnake o Rainbow, y un estribillo de los que no se olvidan: “En cada concierto de Rock & Roll las campanas doblan por Bon Scott, por Janis, Lennon, Allman, Hendrix, Bolan, Bonham, Brian y Moon”, nueve reyes magos de la música que espero estén siempre en nuestro recuerdo. Finalizamos con alguna versión, como la recogida en el álbum en directo “Barón al Rojo Vivo”, la interpretada por el bajista y cantante de la banda José Luis Campuzano (Sherpa), la de Mago de Oz (seguro que odiada por muchos), la de los colombianos Akash y una muy singular a cargo de Alfredo “Alfa” Fernández.

 

Sonata Arctica. “8th Commandment”

Creo que esta es la tercera entrada que dedicamos al power metal; en la primera, con la banda finlandesa Stratovarius como protagonista, me atrevía a tipificar este subgénero del heavy metal con lo que, a mi entender, son sus principales rasgos distintivos; la segunda giraba en torno al personaje histórico de Torquemada, visto a través de los asturianos Avalanch. Hoy vuelve a aparecer por aquí un grupo finlandés, precisamente muy influenciado por la obra de sus paisanos Stratovarius, como ellos mismos han reconocido en alguna ocasión, incluso fueron sus teloneros en el año 2000, cuando éstos eran ya una banda consagrada. Sonata Arctica comenzó su andadura musical en 1996, con el nombre de Tricky Beans (en 1999 transformado en Tricky Means), un grupo que tocaba temas de hard rock clásico en directo; en sus primeros años no grabaron ningún disco, apenas tres maquetas que no fueron enviadas a ninguna compañía discográfica. Adquirieron su nombre definitivo (Sonata Arctica) en 1999, tras la grabación de la demo “Full Moon” y la posterior publicación de su primer álbum de estudio, “Ecliptica” (1999). A pesar de la valoración realizada por alguna web especializada, a mí me parece un álbum excelente, con muy buen sonido y un puñado de canciones a cual mejor: “Replica”, “My Land”, “Kingdom for a Heart”, “Full Moon”, “Letter to Dana” (os recomiendo que visitéis el blog Rocktelegram, donde el amigo Alex nos plantea un interesante relato a partir de la letra de esta melodía) o “8th Commandment”. Podía haber elegido cualquiera de estos temas para ilustrar la entrada, finalmente me he inclinado por la última de las citadas (aquí tenéis una versión en directo), compuesta por el vocalista Tony Kakko y el guitarrista Jani Liimatainen, por varias razones: en primer lugar por su velocidad, lo que me hace pensar en bandas precursoras del power metal, como Deep Purple o Rainbow; en segundo lugar, por su riqueza melódica, porque se escuchan claramente todos los instrumentos y por la voz de Tony Kakko, que luce aguda y poderosa, como era habitual en el heavy metal hasta la aparición de los sonidos guturales característicos del black o el death metal; en tercer lugar, por su riqueza instrumental: bajo y batería contribuyen al ritmo vertiginoso, mientras que los teclados y la guitarra suenan con complicidad, olvidando viejos prejuicios metaleros en torno al uso de los teclados en este género; y, por último, por su reflexión en torno al Octavo Mandamiento, el que se refiere a la mentira, el falso testimonio, la maledicencia o la injuria.