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Rhonda Vincent. “Only Me”


El pasado 12 de junio dedicábamos la entrada a la banda actual Flatt Lonesome, habitualmente etiquetada dentro del sub-género denominado bluegrass, una de las corrientes más antiguas y genuinas del country. Rhonda Vincent es una de las figuras más destacadas de este estilo, no en vano algunos medios la han calificado como “la nueva reina del bluegrass”. Nacida el 13 de julio de 1962 en Kirksville (Missouri), se inició en la música muy pronto; a los cinco años ya cantaba góspel con los miembros de su familia, grupo que acabó denominándose The Sally Mountain Show; a los ocho años comenzó a tocar la mandolina, a los diez la guitarra y, poco después, se inició con el violín. Sus primeros álbumes en solitario los grabó a comienzos de los noventa y, desde entonces, ha ido publicando discos de manera más o menos regular, desde hace ya unos cuantos años con el apoyo de su banda, The Rage que, tal y como podemos ver en la página web de Rhonda Vincent, está formada por Hunter Berry (violín), Brent Burke (dobro), Mickey Harris (contrabajo), Aaron McDaris (banjo) y Josh Williams (guitarra). La lista de premios, nominaciones y distinciones de Rhonda Vincent es muy extensa, tanto en los premios anuales otorgados por la Society for the Preservation of Bluegrass Music of America, la International Bluegrass Music Association o los populares Grammy, en los cuales ha estado seleccionada en varias ocasiones; en una de las últimas concursó con su disco “Only Me” (2014), nominado en la categoría de mejor álbum de bluegrass -el premio fue para la banda The Earls of Leicester-. “Only Me” es un disco doble que cuenta con algunas colaboraciones como la de Daryle Singletary, en la canción “We Must Have Been Out of Our Minds”, o Willie Nelson en la titulada igual que el disco. Pero lo verdaderamente llamativo de Rhonda Vincent & The Rage son sus directos, así que os voy a dejar unos cuantos para que apreciéis el virtuosismo de esta banda; comenzamos con este vídeo de “Only Me” (aquí tenéis otro) y terminamos con otras canciones pertenecientes a este mismo disco: “Busy City“, “I’d Rather Hear I don’t Love You“, “I Need Somebody Bad Tonight” y “It’s Never Too Late“.

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Barney Bigard and His Jazzopators / Dizzy Gillespie / Thelonious Monk. “Caravan”

Juan Tizol Martínez (1900-1984) fue un compositor y trombonista puertorriqueño, miembro de la orquesta de Duke Ellington durante aproximadamente quince años. Se le suele considerar como uno de los grandes músicos de jazz centroamericano, pionero del jazz latino y autor de temas clásicos de este estilo, como “Caravan” (1936), aunque en la autoría de esta pieza también figura Duke Ellington, quien pronto supo ver las posibilidades comerciales que podía llegar a tener un tema como éste, con cierta carga exótica, ideal para ser tocado en los locales de jazz más exitosos de la época. Todo lo contrario de Juan Tizol, que llegó a vender sus derechos sobre “Caravan” a Irving Mills -autor de la letra en las versiones cantadas- por veinticinco dólares, aunque cuando se dio cuenta del éxito que tenía se quejó a Mills y consiguió que éste le cediera un porcentaje de los royalties. La primera grabación data de 1936 y corrió a cargo de la banda Barney Bigard and His Jazzopators, de la que formaban parte Barney Bigard (clarinete), Cootie Williams (trompeta), Harry Carney (saxo), Billy Taylor (bajo), Sonny Greer (batería) y los artífices de la canción: Juan Tizol (trombón) y Duke Ellington (piano). “Caravan” es uno de los estándares preferidos por los músicos de jazz; en palabras de Ted Gioia*, “la canción se presta a la jam session más desenfadada como a arreglos estilizados capaces de evocar toda una gama de estados de ánimo. La progresión armónica es bastante fácil hasta para intérpretes de nivel medio, la melodía sigue sonando moderna pese a las muchas décadas transcurridas desde que se compuso. El público, desde luego, responde bien a la canción, pero más devoción si cabe le profesan los propios músicos”. No es casual, por lo tanto, que existan más de cuatrocientas versiones de este tema; Gioia destaca las debidas al propio Duke Ellington, Oscar Peterson & Dizzy Gillespie, Nat King Cole, Art Blakey, Wes Montgomery, Wynton Marsalis, Michel Camilo, Gonzalo Rubalcaba y las dos destacadas que acompañan a la primera grabación de Barney Bigard, la de Dizzy Gillespie -publicada en 1951- y la de Thelonious Monk -de su álbum “Thelonious Monk Plays Duke Ellington”, 1955-. Woody Allen ha utilizado esta melodía en alguna de sus películas, en concreto en “Alice” (1990) y en “Acordes y Desacuerdos” (1999); más recientemente ha sido protagonista en “Whiplash” (2014), de Damien Chazelle, con mucha presencia de la batería, instrumento vertebrador de este film –aquí tenéis la primera parte de esta versión y aquí la segunda-.

* Gioia, Ted. El Canon del Jazz. Los 250 temas imprescindibles. Madrid: Turner, 2013.

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Las Cinco Canciones de Luna (IV): “Sonrisa” (Ana Torroja)

Una de las cosas que más me gustan de esta sección es la invitación que me concedéis, y la oportunidad que me dais, para acercarme a estilos musicales a los que no suelo prestar mucha atención; es algo que agradezco, porque este blog no está cerrado a ningún género y, si algunos músicos y artistas no aparecen por aquí, puede decirse que en ocasiones es debido a mi propio desconocimiento musical. Si no hubiera sido por vosotros es difícil que hubieran asomado temas como “Claro de Luna” (Beethoven), “Un papel morao y un submarino amarillo” (Manolo Kabezabolo), “Birthday” (The Sugarcubes) o la canción protagonista de hoy, “Sonrisa” ¿Hay algo más bonito que la complicidad entre madre e hija?, veamos qué nos cuenta Luna.

“Solo había nacido mi hija mayor, que tendría 3 años, íbamos todos los días en coche a la ikastola y solía sonar esta canción en la radio. Nos aprendimos el estribillo y lo cantábamos juntas (aún lo hacemos a veces y ya tiene 11 años). El final dice: «Ya sé quién soy», y ella preguntaba: «¿Quién es?». Yo le contestaba que Ana Torroja. Cuando se aprendió el nombre, cada vez que la canción decía: «Ya sé quién soy», ella gritaba: «¡Ana Torroja!».

Es más, acabo de poner el vídeo y a los dos segundos ha saltado del sofá y gritado: «¡Tengo una sonrisa!»”.

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La Sonora Santanera / Pink Martini / Espresso Atlantico. “Dónde estás Yolanda”

La Sonora Santanera es una formación mexicana creada en 1955, aún en activo, portadora de un estilo en el que tienen cabida el bolero, la rumba, el chachachá, la cumbia, el mambo y otras manifestaciones musicales que podríamos englobar dentro de la música tropical, con predominio de las percusiones, las trompetas y, por supuesto, los cantantes; el fundador fue Carlos Colorado Vera (ya fallecido). Tras darse a conocer en fiestas, concursos televisivos y como grupo de acompañamiento de diversos artistas, grabaron su primer disco con CBS en 1960. Uno de sus temas más populares a comienzos de los sesenta fue “Dónde estás Yolanda”, canción compuesta por el músico peruano Manuel Jiménez Fernández, que ya había tenido algunas versiones relativamente conocidas como las debidas a Ramón Avilés u Orlando Contreras. La Sonora Santanera ha publicado recientemente dos discos con colaboraciones de otros artistas; uno en 2016 (“La Sonora Santanera en su 60 Aniversario”), en el que intervinieron, entre otros, músicos como Julieta Venegas, Cristian Castro, Paquita la del Barrio, María José o Eugenia León; y otro a finales del año pasado (“La Fiesta Continúa”), con artistas tan conocidos como Lila Downs, Diego el Cigala, María León, Andrés Cepeda o Aleks Syntek, precisamente cantando la canción que hoy nos ocupa; éste es el primer vídeo que proponemos, bastante reciente, en el que se puede ver en acción a esta orquesta (y aquí tenéis, para los que estéis interesados, la versión que, en los años sesenta, grabara esta agrupación). Son muchas las interpretaciones que, en el ámbito latinoamericano y de las orquestas, ha tenido esta canción: Jorge Muñiz, Julio Jaramillo y Alci Acosta, Los Santaneros de Pepe Bustos, Pourquoi pas?, etc.; aunque, para acompañar a la Sonora Santanera, hoy os propongo otras dos versiones fuera del ámbito latinoamericano. La más conocida es la de Pink Martini, la orquesta de Oregón, que ya ha tenido cabida en este blog a propósito del tema “Amado Mío”, incluido en el mismo álbum (“Sympatique”, 1997) que esta versión de “Dónde estás Yolanda”; en su siguiente disco de estudio (“Hang on Little Tomato”, 2004) incluyeron un tema titulado “Lilly” que, al menos en lo musical, a mí me resulta muy parecido a nuestra canción de hoy. Menos conocida es la versión de los italianos Espresso Atlantico, tal y como ellos mismos indican en su página web, una pequeña orquesta de música caribeña (y no caribeña), liderada por el pianista, compositor y cantante Andrea Gattico, que se mueve entre ritmos gitanos, tangos y sensaciones clásicas y orientales; en esta versión las trompetas han sido sustituidas por un violín ¡Todos a bailar con la versión que más os guste!

Os espero en Musicae Memorandum

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Como ya os comenté el año pasado (reproduzco lo mismo que ya dije entonces), Musicae Memorandum es un excelente blog de música. Y no soy el único que lo piensa; fueron los ganadores de su categoría en los Premios 20Blogs (edición de 2014). Desde mi punto de vista, un premio bien merecido; basta con que os paséis por allí para percataros de la calidad que tienen sus contenidos, tanto en lo que tiene que ver con la música que proponen como por la exquisita manera que tienen de contarlo, con abundancia de enlaces y referencias, por no hablar de su impecable formato, muy atractivo desde el punto de vista visual y bien ajustado a sus intereses.

Cada año celebran su aniversario invitando a participar a sus amigos (el año pasado lo hice con un tema de Pink Floyd). Ya van por su quinta efeméride, y para esta especial ocasión han contado con más cuarenta colaboraciones, que comienzan a publicarse hoy, precisamente con la entrada que un servidor ha preparado para este gran acontecimiento; el resto irán apareciendo a lo largo de este mes y el de marzo. Quiero dar las gracias a los patrones de esta web, Nostromo, Oloman y Jake Snake, por haberme invitado a participar y por haber creído conveniente que sea yo quien inicie este homenaje. Mañana no habrá entrada en La Guitarra de las Musas, estos días me traslado a Musicae Memorandum; desde el siguiente enlace podéis acceder al post con el que participo de esta iniciativa:

Porque te quiero a ti: Tu nombre me sabe a yerba