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Vinegar Joe. “Charley’s Horse” / “Rock & Roll Gypsies”

Vinegar Joe fue una banda de blues-rock, R&R y R&B, con alguna pincelada soul, surgida a partir de un grupo denominado Dada, compuesto por una docena de miembros; con ese nombre publicaron un disco homónimo en 1970. Al año siguiente Dada aligeró el número de componentes dando lugar a Vinegar Joe, nombre probablemente inspirado en el militar estadounidense Joseph Warren Stilwell, apodado “Tío Joe” por el paternalismo mostrado hacia sus soldados, y también “Vinagre Joe”, mote que se ganó por su personalidad y por la dureza que solía exhibir en los ejercicios de entrenamiento con la tropa. Ya bajo el nombre de Vinegar Joe y hasta su disolución en 1974, publicaron tres álbumes francamente interesantes: “Vinegar Joe” (1972), “Rock’n Roll Gypsies” (1972) y “Six Star General” (1973). El segundo disco fue grabado en directo, el medio natural de esta formación, donde mejor lucían, no en vano llegaron a ser relativamente famosos gracias a la fuerza de sus actuaciones en vivo. A pesar de su corta trayectoria como grupo (1971-1974), hubo entradas y salidas de músicos, sin embargo podríamos hablar de un núcleo duro, el compuesto por el guitarrista Peter Gage, el bajista (también tocaba la armónica) Steve York, el teclista Mike Deacon, el batería Keef Hartley y dos cantantes que, a la larga, acabarían teniendo una destacada trayectoria profesional en solitario: Robert Palmer, pese a su temprana muerte cuando tenía 54 años, y Elkie Brooks, una de esas voces que dejan atónito a cualquiera y que llegó a eclipsar a Palmer a medida que fue cobrando protagonismo en Vinegar Joe, algo parecido a lo que sucediera con Janis Joplin en los Big Brother and the Holding Company. Si queréis saber algo más sobre los inicios en solitario de Robert Palmer os recomiendo la entrada del compañero lrotula, publicada en su blog Algo de Jazz, Blues, Rock … Elkie Brooks aún permanece en activo y tiene en su haber un buen número de álbumes. No es fácil escuchar a Vinegar Joe por los cauces habituales (youtube o spotify), aún así se puede acceder a algunos temas como los dos destacados de hoy, “Charley’s Horse” y “Rock & Roll Gypsies”, o a algún otro en el que también se puede ver en acción a los componentes de la banda, en particular a sus dos estrellas (Palmer y Brooks), por ejemplo “Proud to be a Honky Woman” o “Rusty Red Armour“.

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Fleetwood Mac. “Like it This Way”

Para muchos aficionados a la música Fleetwood Mac es el grupo de Stevie Nicks, también de Lindsey Buckingham, Christine McVie, John McVie y Mick Fleetwood, la formación responsable de “Rumours” (1977), el excelente álbum de pop-rock con el que esta banda se encumbró. Sin embargo, los inicios de esta formación no tienen nada que ver con el sonido AOR que acompaña a este grupo desde mediados de los setenta; incluso podríamos hablar de dos Fleetwood Mac porque sus primeros discos son de blues, dentro de los parámetros estilísticos de lo que se ha venido en denominar british blues. De hecho, el origen de Fleetwood Mac está intimamente ligado a otra de las bandas pioneras del blues británico, la de John Mayall y sus Bluebreakers, lo más parecido a una academia de blues para jóvenes talentos; por esta banda pasaron músicos como Eric Clapton, Mick Taylor, Jack Bruce, Aynsley Dunbar, Harvey Mandel o tres de los fundadores de Fleetwood Mac: Peter Green (guitarra y voz) y los ya mencionados John McVie (bajo) y Mick Fleetwood (batería), los dos únicos integrantes de la formación inicial que continuaron con los nuevos Fleetwood Mac; la formación se completó con dos guitarristas más: Jeremy Spencer y Danny Kirwan, quien acabaría compartiendo los papeles de compositor, cantante y primera guitarra con Peter Green. Grabaron su primer álbum de estudio -homónimo- en 1968, después vendrían los titulados “Mr. Wonderful” (1968) y “Then Play On” (1969); a partir de 1970 el LSD comenzaría a hacer estragos: primero abandonó Peter Green, más tarde lo harían Spencer y Kirwan. Uno de los últimos eventos en el que intervino la formación original, al menos de los que se guarda registro, fue el celebrado en el Tea Party de Boston durante los días 5, 6 y 7 de febrero de 1970; quince años después se grabó un Lp con el título de “Live in Boston”, un disco modesto, con apenas siete canciones, que acabaría dando lugar a una reedición más lujosa, con tres Cds en los que se recogieron todos los temas interpretados en el Tea Party. Me parece una excelente manera de acercarse a los Fleetwood Mac bluseros; los compañeros de Rockliquias han tenido la generosidad de compartir esta obra, imprescindible para la historia del british blues. Como os podéis imaginar, no ha sido nada fácil elegir una canción; finalmente he optado por “Like it This Way”, compuesta por Kirwan, porque -al menos desde mi punto de vista- contiene uno de los mejores diálogos guitarreros que he escuchado hasta ahora; no se trata del típico pique o lucimiento entre guitarras gemelas, más bien es una animada conversación en la que casi puedes escuchar las palabras, uno de esos momentos mágicos que, de vez en cuando, nos ofrecen los directos. En este vídeo, con peor sonido, podéis ver a los músicos interpretando este tema.

Regresamos tras el parón vacacional con nuevos canales de difusión; además de facebook (Agujas & Vinilos), ahora también podéis seguir las nuevas entradas publicadas en La Guitarra de las Musas a través de twitter (@guitarmuses) y Tumblr.

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Susan Santos. “Rattlesnake” / “Skin & Bones” / “Stop Drivin’ Me Crazy”



“Dices que eres músico y la siguiente pregunta es: sí, ¿pero a qué te dedicas?” Esta frase pertenece a Susan Santos y, según cuenta en esta entrevista ofrecida por lennon.es, tiene mucho que ver con la percepción que se tiene del oficio de músico en España. Hace algunas semanas os hablaba de Friday Frolics, un excelente grupo de folk-celta que, a pesar de su calidad, apenas es conocido; con Susan Santos ocurre algo parecido, es una de las mejores guitarristas que tenemos en el país (yo al menos no conozco ninguna mejor), compone sus canciones, canta bien y es pionera en España de un género, como el blues, habitualmente dominado por hombres. Una vez más, tengo que dar las gracias a la amiga Marta, la persona que más sabe de rock hecho por mujeres, por aquella invitación que me hizo para participar en un crowdfunding, que Susan Santos había lanzado con el objetivo de obtener fondos para grabar su cuarto disco de estudio, “Skin & Bones” (2016); es la primera vez que participo en un proyecto de micro-mecenazgo y, he de decir, que me ha gustado mucho la experiencia; tengo la sensación de haber apoyado una causa justa, de una manera más eficaz y provechosa para el músico que limitándome a comprar su disco. Según nos cuenta en su página web, Susan aprendió de manera autodidacta; y, tras pasar por varios grupos, en el año 2009 deja su trabajo de profesora de guitarra para trasladarse a Madrid. Ha tocado en salas importantes y ha compartido escenario, tanto en EE.UU. como en Europa, con figuras tan destacadas como Jimmie Vaughan, Joe Bonamassa, The Fabulous Thunderbirds, Joe Lois Walker, Buddy Whittington o Sugar Blue. El blues-rock de Susan es cálido y elegante, con pinceladas procedentes de otros estilos como el country, el funk, incluso el jazz fusión; es zurda, toca tanto con púa como con los dedos y es una consumada especialista con el dobro, como puede comprobarse en este vídeo. Desde aquí podéis acceder a casi toda su discografía; para que la vayáis conociendo, os recomiendo estos tres temas de “Skin & Bones”: “Rattlesnake”, el rockabilly “Skin & Bones” y el más blusero “Stop Drivin’ Me Crazy”, mi corte preferido de este disco. Para que comprobéis su desempeño, aquí tenéis una actuación en directo, del año 2014, en los Conciertos de Radio 3. Lástima que Susan Santos haya nacido en España, si lo hubiera hecho en Estados Unidos se estaría hablando de la nueva Bonnie Raitt. El 17 de mayo hará la presentación de este nuevo disco en la madrileña sala Boite; ya tengo comprada la entrada, así que espero poder ir al concierto.

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Eric Clapton. “Tears in Heaven”

El 19 de marzo de 1991 Eric Clapton había llevado a su hijo Conor al circo y al día siguiente iban a ir a juntos al Zoo; Clapton lo tenía que recoger en el apartamento de Nueva York donde estaban alojados junto con la actriz italiana Lori del Santo, esposa de Eric y madre de Conor. Según ha manifestado Lori en alguna entrevista, Conor estaba entusiasmado con los elefantes del circo y no paraba de correr y jugar al escondite bajo la vigilancia de la niñera, sobre todo durante el cuarto de hora que la actriz utilizó para evaluar una propuesta de trabajo que le acababa de llegar por fax. Conor se escapó del apartamento y consiguió entrar, a pesar de la oposición del portero, en la habitación donde éste estaba limpiando. Sea como fuere, acabó cayendo desde un piso 53 por la ventana que acababa de abrir el portero para ventilar el cuarto. En una entrevista concedida a Time, Clapton expresó con estas palabras la triste noticia que recibiría de su esposa: “Ese día el teléfono sonó y Lori me dijo que mi hijo estaba muerto. Traté de creer que era un error. Hasta que llegué al edificio y vi a la policía. Fui al sanatorio para reconocerlo. Luego, partí a verlo otra vez a la funeraria para disculparme por no haber sido un padre mejor” (consultado en www.elreporte.com.uy). Esta última afirmación tenía que ver con sus años anteriores, en los que estuvo más pendiente de acabar con sus adicciones que de compartir el tiempo con su hijo. Este duro golpe, lejos de hundirlo de nuevo en las drogas y el alcohol, fue su tabla de salvación; su deseo de honrar a Conor lo salvó. Unos meses después escribía una canción, junto con Will Jennings, que comenzaba con los siguientes versos: “Sabrías mi nombre si te viera en el cielo? ¿Sería lo mismo si te viera en el cielo?”. “Tears in Heaven” fue sólo una canción que, al principio, Clapton utilizaba para aliviar su dolor, hasta que su amiga Lili Fini Zanuck la escuchó y le pidió que se la cediera para la B.S.O. de la película que estaba rodando (“Hasta el límite“, 1991), aquí podéis escuchar la primera versión de este tema. Después, en 1992, se editó como single y formó parte del álbum “Unplugged” (1992), con el que “Mano Lenta” se quiso sumar a la fiebre por “lo desenchufado” propiciada por la cadena musical MTV. A pesar de manejarse sin su habitual guitarra eléctrica, consiguió hacer un gran álbum y, lo que es más importante, emocionó a todo el mundo con esta sencilla y estremecedora balada; es la versión que podéis ver en el vídeo de hoy, con subtítulos en inglés; en ésta otra, también en directo, los subtítulos están en inglés y en español. Por supuesto, también han versionado este tema otros intérpretes, sin embargo me siento incapaz de escuchar una pieza tan íntima, un canto tan desgarrado y sincero, en boca de otros que no sean el padre de Conor.

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Muddy Waters / Small Faces / Led Zeppelin. “You Need Love” / “You Need Loving” / “Whole Lotta Love”

Si hay un grupo en la historia del rock que porta el dudoso honor de contar con numerosos “parecidos razonables” y “plagios” entre sus canciones, ese es Led Zeppelin. Aquí tenéis una lista con temas de esta banda “inspirados por otros autores”, nada más y nada menos que una veintena, entre ellos obras tan conocidas como “Dazed and Confused”, “Stairway to Heaven” o el tema de hoy, “Whole Lotta Love”. En algunas ocasiones, a pesar de los parecidos razonables y tal vez por no existir demanda judicial, la atribución original hacia alguno o todos los miembros de Led Zeppelin se ha mantenido; en otras, han tenido que ser los jueces quienes han acabado modificando la autoría final de las canciones, es el caso, por ejemplo, de “Whole Lotta Love”, inicialmente declarado como de todos los componentes del grupo y que, tras la demanda de Willie Dixon, ganada en 1985, se obligó a que este grande del blues fuera incluido en los títulos de crédito. El asunto arranca en 1963, cuando Muddy Waters graba el tema “You Need Love”, compuesto por Willie Dixon, en un single editado por el sello Chess. Tres años después, los británicos Small Faces sacaban al mercado su primer álbum (“Small Faces, 1963), del que formaba parte el tema “You Need Loving”, bajo la autoría de Ronnie Lane y Steve Marriott, aunque con un parecido evidente con el tema de Dixón, incluso en el título. Por último, en 1969, sale a la luz el segundo trabajo de Led Zeppelin (“Led Zeppelin II”), con “Whole Lotta Love” a la cabeza, un tema con la estructura melódica y parte de la letra de Willie Dixon (la otra parte era de Robert Plant, lo que probablemente les libró del cambio de atribución total de la canción a favor de Dixon), cantado al estilo de Steve Marriott y con un riff de guitarra de Jimmy Page de esos que han pasado a la historia. Las palabras de Robert Plant hablan por si solas: “El riff era el de Page. Estaba ahí antes que nada. Yo pensé, ‘bueno, y ¿qué canto?’ Eso era, un pequeño ‘robo’. Ahora felizmente compensado. Por aquel entonces, había muchas conversaciones sobre qué hacer y se decidió que estaba tan lejano en el tiempo (7 años, de hecho), que… bueno, sólo te pillan cuando tienes éxito. Así es el juego” (Wikipedia). Curiosamente, la autoría de “You Need Loving”, el tema de los Small Faces, continúa siendo la original, tal vez porque Dixon nunca les demandó. Para finalizar, nada más comentaros que se han hecho a algunas versiones de “Whole Lotta Love”, como las debidas a Tina Turner, Javier Vargas, Santana & Chris Cornell, The Hollywood Vampires, Francesca Michielin, Mago de Oz o Sugarpie & The Candymen, entre otros.