No es la primera vez que hablamos del álbum “Born under a bad sign” (1967), del guitarrista Albert King, uno de los discos de blues más conocidos e influyentes de esta época. Ya lo hicimos a propósito del tema homónimo, escrito por William Bell Y Booker T. Jones, con interesantes versiones como las de Big Mama Thorton o Cream. Este Lp está lleno de buenas canciones: “The Hunter”, “Crosscut saw” o la protagonista de hoy, “Oh, Pretty Woman” (no confundir con la famosa melodía de Roy Orbison). Fue compuesta por el músico y escritor de canciones Andrew (A.C.) “Moohah” Williams e incorporada, como cuarta canción de la cara A, a este trabajo perteneciente al catálogo de la discográfica Stax Records, el primero de Albert King con esta compañía. Apenas unos días después de publicarse este álbum, salió al mercado “Crusade“, el tercer Lp de estudio de la banda de british blues John Mayall & the Bluesbreakers, un excelente trabajo de blues-rock que, producido por Mike Vernon, contó con un plantel de músicos realmente sensacional: Keef Hartley, Chris Mercer, un jovencísimo Mick Taylor y prácticamente los primeros Fleetwood Mac al completo (John McVie, Peter Green y Mick Fleetwood). Existen más versiones de “Oh, Pretty Woman”, como las de Steve Crooper, Junior Wells, The Kenny Wayne Sheperd Band, McKenna Mendelson Mainline o dos que a mí me parecen especialmente buenas, las interpretadas por Savoy Brown Blues Band y Joe Bonamassa, respectivamente. Sin embargo, no podía terminar esta entrada sin proponer, como tercera opción de hoy, la versión de Gary Moore, con el propio Albert King como invitado especial; fue incluida en su álbum “Still Got the Blues” (1990), con el que el guitarrista norirlandés inició una nueva etapa en su carrera, desde el hard rock y el heavy metal de sus primeros trabajos al blues-rock; y lo hizo a lo grande, con un gran disco en el que trabajaron músicos tan destacados como Nicky Hopkins, George Harrison, Bob Daisley, Don Airey, Albert Collins o, el ya mencionado, Albert King. La balada homónima fue la canción más conocida y reconocible de este álbum, pero está plagado de buenos temas, algunos compuestos por Gary Moore, otros debidos a autores como A.C. Williams, Jimmy Rogers o Deadric Robey. Si nunca habíais escuchado “Oh, Pretty Woman”, ahora podéis hacerlo en cualquiera de las versiones propuestas; si os apetece seguir escuchando blues, hoy tenéis a vuestra disposición tres discos de lo mejorcito de este género: “Born under a bad sign“, “Crusade” y “Still Got the Blues“.
Blues-rock
JJ Cale / Eric Clapton. “After Midnight” / “Sensitive Kind”
JJ Cale falleció el 26 de julio de 2013, de un infarto de miocardio. De la actitud que siempre tuvo ante la vida, y de sus valores como músico y compositor, hemos dado cuenta en una entrada anterior dedicada a la canción “Cocaine“. Comenzó su andadura musical a finales de los años cincuenta, aunque no grabó su primer Lp hasta 1972, cuando sacó al mercado “Naturally“, en el que se incluía un tema, “After Midnight”, que dos años antes había tenido bastante éxito en la versión de Eric Clapton. Hasta entonces JJ Cale no había tenido mucha suerte en su carrera artística, llegó a trabajar en los años sesenta como ingeniero de sonido e, incluso, valoró la posibilidad de abandonar la industria musical, pero entonces se enteró del éxito de su canción y todo cambió, tal y como él mismo ha manifestado en alguna ocasión: “yo era extremadamente pobre, no tenía suficiente para comer y ya no era joven. Estaba en mi treintena, de modo que era feliz. Fue muy agradable hacer algo de dinero”. No fue ésta la última vez que Clapton versionó temas de JJ Cale, por no hablar de la elevada opinión que tenía de sus aptitudes como compositor y guitarrista: “JJ Cale era muy crítico y muy despectivo con su talento y estaba reconocido como compositor. Pero cuando traté de tocar como él … Me di cuenta de que la mayoría de músicos no podemos hacerlo. Tenemos la mano muy pesada. Su modo de tocar era sensible y sutil” (entrevista de Eric Clapton para Rolling Stone). En el año 2006 JJ Cale y Eric Clapton publicaron conjuntamente el disco titulado “The Road to Escondido“, en el que intervinieron músicos como Billy Preston, John Mayer, Taj Mahal o Pino Palladino; el álbum fue Premio Grammy en la categoría de Mejor Disco de Blues Contemporáneo. Cuando Clapton recibió la noticia del fallecimiento de JJ Cale estaba pescando en Inglaterra; según su propio relato: “Me quedé sentado frente al río (…) y me escuché a mí mismo soltar cada tanto un quejido muy bajito, como de dolor. Fue muy profundo”. No lo dudó ni un instante, decidió grabar un disco en homenaje a su amigo que tituló “The Breeze: An Appreciation of JJ Cale” (2014), en el que se incluyeron dieciséis de sus canciones además de participar en él varios invitados ilustres (Tom Petty, Mark Knopfler, John Mayer, Don White, Willie Nelson y Chistine Lakeland). Hoy os voy a proponer un día de versiones diferente a los habituales: dos canciones en lugar de una, las dos interpretadas por su autor (JJ Cale) y por Eric Clapton, la primera es la ya mencionada “After Midnight” y la segunda “Sensitive Kind”, publicada por Cale en su álbum “5” (1979), de la que existe una una versión bien conocida a cargo de Santana (“Zebop!”, 1981) y que, en este disco homenaje a JJ Cale, Clapton la interpretó junto a Don White, un habitual en los discos del homenajeado.
Melody Gardot / Beth Hart & Joe Bonamassa. “If I tell you I love you”
Melody Gardot es una cantante, pianista y compositora estadounidense de jazz melódico nacida en 1985. Inició su carrera musical a los diecinueve años, tras ser atropellada por un coche mientras paseaba en bicicleta. Alentada por su médico, que temía por las secuelas que le pudiera dejar el traumatismo craneal sufrido a causa del accidente, empezó a componer canciones cuando aún estaba en cama; de aquella experiencia salió el EP “Some Lessons – The Bedroom Sessions” (2005). Su primera oportunidad profesional llegó en 2008, con el álbum “Worrisome Heart”; después grabó “My One and Only Thrill” (2009) y “The Absence” (2012), un trabajo delicado y sensual, impregnado de aromas lisboetas, dedicado a las madres -especialmente la suya- y a todas las relaciones sentimentales que había tenido Melody. Os aconsejo que os dejéis acariciar por su música, por su increíble afinación y por la emoción que transmite, sin necesidad de alzar la voz ni realizar alardes vocales innecesarios. “The Absence” es un álbum que emociona, lleno de preciosas canciones la mayoría de ellas compuestas por la propia Melody Gardot; os recomiendo que empecéis con la seductora “If I Tell You I Love You” y, mientras la escucháis, pensad en las veces que habréis dicho “Te Quiero” en el momento inadecuado y a la persona inadecuada: “Pero si alguna vez te susurro que te amo, querido, estoy mintiendo. Y si te miro a los ojos y te lo digo, querido, te miento. Y si alguna vez te susurro palabras inauditas, palabras sensuales, (…) estoy mintiendo”. Si Melody Gardot es la suavidad, la californiana Beth Hart es todo lo contrario, una cantante visceral, rebosante de energía, con una potencia vocal asombrosa, algo así como un híbrido entre Janis Joplin y Billie Holiday. Sin embargo, en la versión que realiza de “If I Tell You I Love You” podemos escuchar a una Beth Hart contenida, casi aterciopelada, arrebatadoramente sexy. Beth, a la que espero ver el mes que viene en directo, nació en 1972; además de cantante es pianista y compositora; diagnosticada de trastorno bipolar desde niña, su situación empeoró con el alcohol y las drogas, y sólo logró sobreponerse a esta enfermedad cuando abandonó el consumo de estas sustancias. Empezó a ser conocida en 1993, desde entonces no ha dejado de grabar discos y de colaborar con músicos de la talla de Slash, Jeff Beck o Joe Bonamassa, con quien ha actuado varias veces en directo y ha grabado un par de discos de estudio: “Don’t Explain” (2011) y “Seesaw” (2013), a este último álbum pertenece la versión de “If I Tell You I Love You”; si queréis ver a Beth Hart y a Joe Bonamassa interpretando este tema en directo, os recomiendo este vídeo, en el que Bonamassa no se muestra tan tímido como en la versión de estudio.
Vargas Blues Band. “Del Sur”
“Empecé a tocar en 1968, así que no soy un principiante. Vivo el presente, pero me formé en la generación de Woodstock: me tengo por hijo de los Doors, Free, Deep Purple, Led Zeppelin y los Fleetwood Mac de Peter Green. Y, sí ¡soy un tío vintage!” Así contestaba el guitarrista español Javier Vargas, en una entrevista reciente (11-IV-2016) concedida al diario El País, cuando le preguntaban sobre si le incomodaba que le consideraran un veterano. Nació en Madrid, en 1958, aunque a los nueve años emigró con su familia a Argentina; allí empezó a tocar con una guitarra española que le regaló su padre hasta que, a los doce, consiguió su primera guitarra eléctrica, instrumento que, desde entonces, ha formado parte de su vida y con el que ha conseguido el honor de figurar entre los mejores guitarristas de nuestro país, desde mi punto de vista el mejor con la guitarra eléctrica en el ámbito del blues-rock y el blues latino. Según él mismo ha comentado, comenzó a tocar la guitarra porque se enamoró de la música de Jimi Hendrix: “fue mi inspiración para decidir que ése era mi instrumento. De hecho, mi guitarra icono, con la que toco, es una Fender Stratocaster, la misma que él”. Tras viajar por otros países, como Venezuela, Estados Unidos o Jamaica, donde entraría en contacto con estilos como el country, el blues o el reggae, regresó a España y se incorporó a la banda de Miguel Ríos, con quien grabaría algunos discos, y también colaboró con otros grupos y artistas, como RH+, Orquesta Mondragon o Manolo Tena, junto a él compondría el conocido éxito “Sangre Española”. En 1991, “para poder tocar mi propia música y no tener un jefe que me dijera como tocarla”, creó la Vargas Blues Band; el primer álbum se tituló “All around blues” (1991) y el segundo “Madrid-Memphis” (1992), en el que colaboraron, entre otros, Carey Bell (voz y armónica), Louisiana Red (guitarra), Jeff Espinoza (voz) o Rafael Riqueni, un excelente guitarrista procedente del flamenco con quien compuso “Del Sur”, el octavo corte de este álbum, un cálido tema instrumental en el que ambos guitarristas hacen valer su maestría y sensibilidad a las seis cuerdas; aunque con algunos cortes y algunas deficiencias de imagen, en este otro vídeo les podéis ver juntos interpretando “Del Sur” (todo un lujo, como podréis comprobar). A Javier Vargas lo han comparado con Santana, con quien mantiene muy buena relación, o con Stevie Ray Vaughan, no en vano le han llegado a apodar “Stevie Ray Vargas”; mientras que la listas de artistas con los que ha colaborado, además de interminable, es excepcional: Glen Hughes, Prince, Raimundo Amador, Chris Rea, Flaco Jiménez, Calamaro, Carles Benavent, Jack Bruce, Devon Allman, etc. Tiene publicados veintitantos discos, por lo que espero que ésta no sea la última vez que veamos por aquí a Javier Vargas.
Vinegar Joe. “Charley’s Horse” / “Rock & Roll Gypsies”
Vinegar Joe fue una banda de blues-rock, R&R y R&B, con alguna pincelada soul, surgida a partir de un grupo denominado Dada, compuesto por una docena de miembros; con ese nombre publicaron un disco homónimo en 1970. Al año siguiente Dada aligeró el número de componentes dando lugar a Vinegar Joe, nombre probablemente inspirado en el militar estadounidense Joseph Warren Stilwell, apodado “Tío Joe” por el paternalismo mostrado hacia sus soldados, y también “Vinagre Joe”, mote que se ganó por su personalidad y por la dureza que solía exhibir en los ejercicios de entrenamiento con la tropa. Ya bajo el nombre de Vinegar Joe y hasta su disolución en 1974, publicaron tres álbumes francamente interesantes: “Vinegar Joe” (1972), “Rock’n Roll Gypsies” (1972) y “Six Star General” (1973). El segundo disco fue grabado en directo, el medio natural de esta formación, donde mejor lucían, no en vano llegaron a ser relativamente famosos gracias a la fuerza de sus actuaciones en vivo. A pesar de su corta trayectoria como grupo (1971-1974), hubo entradas y salidas de músicos, sin embargo podríamos hablar de un núcleo duro, el compuesto por el guitarrista Peter Gage, el bajista (también tocaba la armónica) Steve York, el teclista Mike Deacon, el batería Keef Hartley y dos cantantes que, a la larga, acabarían teniendo una destacada trayectoria profesional en solitario: Robert Palmer, pese a su temprana muerte cuando tenía 54 años, y Elkie Brooks, una de esas voces que dejan atónito a cualquiera y que llegó a eclipsar a Palmer a medida que fue cobrando protagonismo en Vinegar Joe, algo parecido a lo que sucediera con Janis Joplin en los Big Brother and the Holding Company. Si queréis saber algo más sobre los inicios en solitario de Robert Palmer os recomiendo la entrada del compañero lrotula, publicada en su blog Algo de Jazz, Blues, Rock … Elkie Brooks aún permanece en activo y tiene en su haber un buen número de álbumes. No es fácil escuchar a Vinegar Joe por los cauces habituales (youtube o spotify), aún así se puede acceder a algunos temas como los dos destacados de hoy, “Charley’s Horse” y “Rock & Roll Gypsies”, o a algún otro en el que también se puede ver en acción a los componentes de la banda, en particular a sus dos estrellas (Palmer y Brooks), por ejemplo “Proud to be a Honky Woman” o “Rusty Red Armour“.
