Mermelada. “Coge el tren”

El rock urbano y la “Movida” se suelen presentar, por críticos y aficionados musicales, como movimientos antagónicos y excluyentes; si preguntamos a un seguidor de Leño, Topo o Asfalto seguro que acusan a la “Movida” de haber acabado con el rock; si preguntas a un fan de Kaka de Luxe o de Parálisis Permanente por “el rollo”- expresión por la que también se conocía al rock urbano- quizás digan que aquel era un movimiento anticuado, poco creativo y, sobre todo, poco divertido. Sin embargo, a finales de los setenta, hubo alguna banda que se situó entre ambos movimientos; ni practicaban punk o new wave, ni tampoco hard rock-progresivo de barrio con mensaje social, simplemente hacían rocanrol. Uno de aquellos grupos, Tequila, tuvo muchísimo éxito; otros, como Mermelada, no tanto, aunque lograron publicar un buen número de álbumes y una canción (“Coge el tren”), que jamás olvidaremos los que vivimos durante aquellos interesantes años de cambios musicales mientras el país estaba inmerso en plena Transición política.

Mermelada se creó hacia 1977, inicialmente bajo el nombre de Mermelada de lentejas, con Javier Teixidor “Teixi” (guitarra, voz, y gran conocedor del blues) como líder de la banda; el resto de componentes eran: Javier L. Encinas “El Moro” (armónica), Daniel Montemayor (bajo, acordeón) y Antonio Yenes (batería). Quién mejor que “Teixi” para contarnos cómo fueron los inicios de Mermelada y, también, para poder comprender lo próximos (en el sentido literal de la palabra) que estaban a los actores principales de la “Movida”, de la que llegaron a participar en lo que suele considerarse como el acto fundacional de este movimiento, el homenaje al batería de Tos, Canito, fallecido prematuramente:

“En el verano del 78 Nacho Canut y su familia veraneaban cerca de donde yo pasaba los veranos, por lo que nos conocíamos, y un día, hablando de música, me dijo que había formado un grupo punk, que se llamaba Kaka de Luxe, y que estaban buscando lugar de ensayo. Le dije que, casualmente, yo tenía un grupo de R&B, Mermelada de Lentejas, y también buscaba local. De esta manera, encontramos un local en el Centro Cultural de la Prospe, que antes había sido un antiguo colegio de mandos fascistas, y, como no teníamos suficiente pasata para pagar, avisamos a otros dos grupos para compartirlo: Los Zombies -con Bernardo Bonezzi- y Tos, que después de la muerte de Canito, su batería, se cambiarían el nombre por el de Los Secretos (…) cuando podíamos incluíamos a Tos como teloneros, porque estaban un poco más ‘verdes’ y necesitaban tocar, como todos. Nos hicimos buenos amigos, y en la Nochevieja de 1979, nos fuimos de fiesta de Madrid a Villalba, por la nacional VI, y sufrimos un accidente en el cual Canito, su batería, falleció, y el nuestro, Antonio Yenes, estuvo hospitalizado unos meses. Los demás salimos ilesos. Fue un golpe muy duro. De aquí surgió la idea entre Mermelada y Secretos de hacer un concierto en su memoria. Nosotros les prestamos el equipo técnico y todo lo que se necesitó. Este concierto, que se considera clave en el nacimiento de la movida, fue retransmitido por TVE y la radio, y participaron Nacha Pop, Mamá, Paraíso, Alaska y los Pegamoides, Los Trastos, Los Rebeldes -de Madrid- y Mario Tenia y los Solitarios”.

Javier Teixidor “Teixi”. Consultado en: Dominguéz, Salvador. Los hijos del rock. Los grupos hispanos 1975-1989. Madrid: SGAE, 2004; págs. 532-535.

Tras participar en el Primer trofeo de Rock Villa de Madrid 1978, publicaron un sencillo y un doble sencillo con la discográfica Chapa y, ya en 1979 su primer álbum (“Coge el tren”), en el que se incluyeron canciones compuestas por ellos (sobre todo por “Teixi”) y alguna versión, como “Espero que puedas ser feliz”, versión de “I Wish You Would”, del bluesman Billy Boy Arnold, y “Encrucijada”, versión del clásico de Robert Johnson «Cross Road Blues«. El estilo de este interesante álbum, reeditado en 2015, se sitúa entre el rabioso rocanrol y el R&B. Para que os hagáis una idea de cómo fue recibido por la crítica de la época, os dejo dos testimonios recogidos por Salvador Domínguez en el libro anteriormente citado (págs. 533-534): “Mermelada es un grupo de la New Wave madrileña que hace rock y rhythm & blues. El equivalente local a George Thorogood & The Destroyers, pero más fresco, juvenil y menos amargado” (Patricia Godes, en la revista Vibraciones, julio de 1979); “Descargó el grupo Mermelada, que hizo rock and roll y rock blusero en plan anfetamínico (lo que vulgarmente se llama marcha a toda pastilla)” (Jesús Ordovás, en la revista Sal Común, junio de 1979). Juanjo Mestre, en la web Espacio Woody/Jagger ha definido el estilo de “Coge el tren” como

«un disco de rhythm&blues macarroide, obrero y proletario, dirigido a trabajadores asalariados, y doloroso para ejecutivos de corbata, renegados del rock&roll, políticos corruptos y demás especies en vías de abundante desarrollo. Era un trabajo que pudo haberse gestado en la suciedad de algún pantano, fue ejecutado con rabia y contenía un fuerte sabor a whisky de taberna de la mejor calidad para paladares selectos. Su sonoridad se podía ubicar a caballo entre bandas nacionales como Burning y Los Elegantes, y pertenecieron en los primeros tiempos al llamado ‘Rollo’ y más tarde a la ‘Movida’. Además, aquel toque castizo de armónica y acordeón acometidos con ímpetu trepidante aportaba enorme originalidad a su discurso sureño”

Juanjo Mestre, en Espacio Woody/Jagger

Durante los años ochenta, con algunos cambios en la formación inicial, continuaron sacando discos, algunos más orientados hacia el pop y otros al rocanrol y R&R. Se disolvieron a mediados de la década de 1990; en 1996 se formaría la J. Teixi Band, con tres antiguos miembros de Mermelada, con el propósito de recuperar los viejos sonidos del blues, tan arraigados en Javier Teixidor. Os dejo con “Coge el tren”, un estimulante y enérgico rocanrol garagero de apenas dos minutos de duración (para qué más); aquí los podéis ver en el programa de televisión “Aplauso” (1979).

Manfred Mann’s Earth Band. “Earth Hymn”

Manfred Sepse Lubowitz, más conocido como Manfred Mann, es un músico nacido en Johannesburgo (República de Sudáfrica), que se dio a conocer entre 1964 y 1969 con versiones de R&R, R&B y pop como “Do Wah Diddy Diddy” o “Sha La La”. Antes había estudiado música en la Universidad de Witwatersrand y trabajado como pianista en clubes de Johannesburgo; en 1961, huyendo del apartheid, se fue a vivir a Reino Unido y allí crearía la banda Mann-Hugg Blues Brothers, junto a Mike Hugg. Tras fichar por EMI -bajo el sello HMV-, cambiaron el nombre del grupo a Manfred Mann, por sugerencia del productor discográfico. Se separaron en 1969, aunque Mann volvería a unirse con Hugg para crear una nueva banda, entre el jazz-rock y el progresivo, denominada Manfred Mann Chapter Three. Tras dos álbumes publicados, pusieron fin a esta aventura e iniciaron otra, hacia 1971, ya dentro del ámbito del rock progresivo, bajo el nombre de Manfred Mann’s Earth Band. La formación original estaba integrada por los siguientes músicos: Manfred Mann (teclados, sintetizadores, voz), Mick Rogers (guitarra, voz), Colin Pattenden (bajo) y Chris Slade (batería, voz); los dos primeros siguen constituyendo el alma de este grupo, que aún continúa en activo; del batería Chris Slade quizás hayáis oído hablar, porque ha trabajado con bandas como Uriah Heep, AC/DC o Asia.

El primer Lp lo publicaron en 1972 (“Manfred Mann’s Earth Band”), después vendrían “Glorified Magnified” (1972), “Messin’” (1973) y el que suele estar considerado como mejor trabajo de la banda: “Solar Fire” (1973). El siguiente disco de estudio que sacaron al mercado fue el titulado “The Good Earth” (1974), un trabajo de inspiración ecológica, que se publicó con la promesa de conceder un pie cuadrado de tierra (unos 929 cm2) situada en Llanerchyrfa (Gales) a todos los que compraran el disco y se registraran antes del 31 de diciembre de 1975; al parecer, no fue una estafa y se registraron miles de personas. La cara A de esta disco está ocupada por tres versiones: “Give Me The Good Earth” -del compositor y músico estadounidense Gary Wright-, “Lauching Place” y “I’ll Be Gone”, ambas de la banda australiana de rock progresivo Spectrum. Este quinto álbum de Manfred Mann’s Earth Band no suele ser de los preferidos por los aficionados al rock progresivo, quizás porque el anterior -como acabo de comentar- suele ser el mejor valorado del grupo. Y quizás tengan todos razón, si no fuera por el primer tema con el que se inicia la cara B (“Earth Hymn”) y, de algún modo, también con el que finaliza el disco (“Earth Hymn Part 2”), en realidad una variación del primero.

“Earth Hymn” es una interesantísima pieza de rock progresivo en la que destacan la voz de Manfred Mann dando forma a la melodía, el emotivo solo de guitarra de Mick Rogers (hacia el minuto 1:42, continuado en el minuto 3:02) y el festival de sintetizador y teclados con el que Mann hace explotar el tema (a partir del minuto 3:41), que nos conduce hacia un apoteósico final sin que aparezcan otros instrumentos solistas en escena.

Pérez Prado y su orquesta / Eydie Gormé y el Trío Los Panchos / Gaby Moreno y Van Dyke Parks. “Historia de un amor”

“Historia de un amor” es uno de los boleros más conocidos y versionados de la historia. Entre las numerosas interpretaciones que se han hecho de esta canción, las hay instrumentales, como la primera que destacamos en esta entrada, grabada por la Orquesta de Pérez Prado en 1956. Pero quizás sean más recordadas las cantadas, la mayoría en español, aunque también hay versiones en inglés, francés, portugués, croata, finlandés, hebrero, húngaro, sueco, japonés o chino.

Se suele otorgar al panameño Carlos Eleta Almarán (1918-2013) la autoría de esta melodía inmortal. Tal y como señala José A. Arteaga en la web Gladys Palmera, Carlos Eleta fue un empresario, “hombre de radio y de televisión, coleccionista, presidente del Partido Laborista de Panamá, representante hípico y apoderado de boxeadores”, aunque en el mundo de la música siempre será recordado como el autor de “Historia de un amor”. Esta melodía fue escrita, a mediados de la década de 1950, a modo de pésame y abrazo fraternal tras el fallecimiento de su cuñada Mercedes -la esposa de su hermano Fernando-, enferma de polio, cuando estaba a punto de dar a luz. El tono desgarrado de la canción y, más concretamente, determinados versos (“porque Dios me hizo quererte para hacerme sufrir más” o “adorarte para mí fue religión”) no fueron muy del agrado de los censores españoles. Manuel Román, en su libro Bolero de amor. Historias de la canción romántica (Lleida: Milenio, 2015; págs. 136-137), plantea la posibilidad (no confirmada) de que “Historia de un amor” no hubiera sido escrita por Carlos Eleta, sino por un empleado suyo: Arturo Hassán, más conocido como “El Chino”. En este mismo libro, también se hace eco de una historia muy fea -también recogida por medios como La Prensa o Panamá América– protagonizada por Carlos Eleta cuando era ya bastante mayor; en el año 2007 fue detenido y acusado de corrupción de menores, finalmente fue condenado a cuarenta meses de cárcel por mantener relaciones sexuales con un niña de 13 ó 14 años.

Las primeras grabaciones de “Historia de un amor” fueron las de Leo Marini (entre el bolero, el tango y el chachachá), Gregorio Barrios, Héctor Varela y su Orquesta Típica (en formato tango), Luis Arcaraz, Los Tres Ases y Libertad Lamarque, que cantó el tema en la película mexicana titulada igual que la canción, dirigida por Roberto Gavaldón en 1956. También de los años cincuenta son las versiones de Lucho Gatica, Lita Mirial y Niño de Murcia (en estilo flamenco). Para acompañar la clásica interpretación instrumental de Pérez Prado, os propongo una no menos clásica, la de Eydie Gorme y el Trío Los Panchos, publicada en el disco titulado “Amor” (1964); y otra bastante más reciente, incluida en “¡Spangled!” (2019), álbum de Gaby Moreno & Van Dyke Parks, del que ya hemos tenido ocasión de hablar a propósito del tema “Across The Borderline”. Como decía al comienzo del post, hay muchísimas versiones de esta canción; aquí os dejo las interpretadas por Abbe Lane & Xavier Cugat (en inglés), Lola Flores (flamenco), Los Albas (pachanga pop), Julio Iglesias (balada romántica), Moncho, Ana Gabriel, Mari Trini y Los Panchos, Alberto Pérez, Trini López, Luis Miguel, Lisa Ono, Luz Casal, Diego el Cigala, Ainhoa Arteta, Luis Mariano, Roberto Alagna y Lila Downs, Guadalupe Pineda, Iva Zanicchi, Martín Zarzar, Tonina Saputo (jazz), Califato 3/4 (flamenco-rap electrónico), Antonio Serrano y Josemi Carmona y Sweet Little Band (para bebés).

Rocky Sharpe & The Replays. “Rama Lama Ding Dong” / “Never”

Robert Podsiadly, más conocido como Rocky Sharpe, fue un inglés de origen polaco que se inició en la música a comienzos de la década de 1970, en un grupo conocido como The Razors. A mediados de los setenta, Rocky Sharpe & The Razors actuaban en pubs de Londres o Brighton, incluso llegaron a grabar un disco, que apenas tuvo repercusión. Acabaron separándose, aunque Podsiadly lo volvería a intentar con un nuevo proyecto, centrado en la recuperación y reinterpretación de los clásicos del doo-wop; formaron parte de este grupo, bajo el nombre de Rocky Sharpe & The Replays, Helen Blizard (Helen Higwater), Mike Vernon (Eric Rondo), Robert Podsiadly (Rocky Sharpe) y su hermano Jan (Johnny Stud). Grabaron cuatro álbumes de estudio, entre 1979 y 1983, los tres primeros con el sello Chiswick y el último con Polydor, además de un buen número de singles. Se separaron hacia 1984.

Rocky Sharpe fue diagnosticado de esclerosis múltiple a finales de los ochenta; falleció el 5 de diciembre de 2019. Unos años antes de su muerte, el grupo español The Velvet Candles homenajeó a Rocky Sharpe y su banda, en un espectáculo celebrado en Barcelona el 24 de septiembre de 2016 (al final de la entrada he dejado el cartel promocional). Algunas biografías de Rocky Sharpe & The Replays se han hecho eco del gran éxito que tuvo este grupo en España, donde fueron más conocidos y valorados que en su país de origen; incluso mencionan este homenaje de la banda revival The Velvet Candles, aunque lo sitúan en 2013 (ignoro si fue otro homenaje o si se trata de un error de datación). En cualquier caso, en este concierto participó como invitado especial el hermano de Rocky Sharpe, Jan (conocido como Johnny Stud). Aquí y aquí podéis ver un par de vídeos de aquella noche (el sonido no es el mejor, desde luego), con The Velvet Candles y Johnny Stud interpretando dos de los temas más conocidos de Rocky Sharpe & The Replays: “Rama Lama Ding Dong” y “Never”, ambos grabados como singles por los ingleses en 1978 y 1979, respectivamente; también formaron parte de su primer álbum de estudio (“Rama Lama”, 1979).

“Rama Lama Ding Dong” fue compuesto por George “Wydell” Jones Jr., cantante del grupo de doo-wop The Edsels, quienes lanzaron la canción en 1957 (bajo el erróneo título de “Lama Rama Ding Dong”), aunque no se hizo popular hasta 1961. “Never” fue uno de los temas clásicos de la formación neoyorkina (del Bronx) The Earls, uno de los grupos de doo-wop integrados por cantantes blancos más conocido a comienzos de la década de 1960; esta canción fue lanzada como single por Rocky Sharpe & The Replays solamente para la Europa continental, lo que demuestra el tirón que tuvo este grupo en países como Holanda, España o Alemania. Aquí tenéis la grabación original de “Rama Lama Ding Dong” por los Edsels; y, desde los siguientes enlaces, podéis acceder a otras versiones, como las de Sha Na Na, The Boppers, The Pendletones o Tennessee (en español). “Never” cuenta con menos versiones que “Rama Lama Ding Dong”, así que sólo os voy a dejar la primera grabación, de 1963, interpretada por los ya mencionados The Earls. Finalizo con una actuación de Rocky Sharpe & The Replays para el programa de televisión “Aplauso”, en la que se puede ver una presentación del grupo y dos de sus canciones, la segunda es “Rama Lama Ding Dong”.

Así, a ritmo de doo-wop, nos despedimos hasta septiembre, cuando volveremos con más canciones. Qué paséis unas buenas vacaciones de verano. Abrazos para todos.

Henry Paul Band. “Grey Ghost”

Henry Paul es un cantante, guitarrista y compositor de rock sureño y country rock nacido en Kingston (Nueva York -EE.UU.-), en 1949. Pasó su infancia y juventud en Tampa (Florida), el lugar al que se trasladaron su madre y sus hermanas tras el divorcio de sus padres. Tal y como puede leerse en su página web, en 1969 regresó a Nueva York, para buscarse la vida como músico callejero y como cantante en las cafeterías del Greenwich Village, siempre con artistas como Bob Dylan, Johnny Cash o Flatts & Scruggs entre sus referencias musicales habituales. Las circunstancias le harían regresar a Tampa, donde consiguió tocar en un espectáculo al que acudieron 2.500 personas. Ya en Florida, creó su propia banda (Sienna), disuelta en 1972. Fue entonces cuando se incorporó al grupo The Outlaws, donde acabó consolidando su carrera; con esta banda grabó tres álbumes (“Outlaws”, 1975; “Lady in Waiting”, 1976; y “Hurry Sundown”, 1977). Dejó la banda en 1977, para iniciar su carrera en solitario, inicialmente con la formación denominada Henry Paul Band; bajo este nombre, o el de Henry Paul, grabó cuatro discos más (“Grey Ghost”, 1979; “Feel The Heat”, 1980; “Anytime”, 1981; y “Henry Paul”, 1982). Disolvió el grupo en 1983, para iniciar una nueva aventura con la banda llamada Blackhawk. Desde entonces, Henry Paul ha seguido publicando discos y ofreciendo conciertos, ya sea con su propio repertorio, como con el de los Outlaws o el de los Blackhawk.

Como ya hemos comentado, su primer disco con la Henry Paul Band fue el titulado “Grey Ghost” (1979), un excelente álbum en el que podemos encontrar temas de country rock al estilo Eagles (como “Crossfire” o “Lonely Dreamer”), cortes que recuerdan a The Byrds (“Foolin’”), piezas folk (“Wood Wind”), canciones con aroma funky (“I Don’t Need You No More”) y, por supuesto, composiciones de rock sureño potentes y guitarreras, como los dos temas más conocidos del álbum: “So Long” y “Grey Ghost”; tema, este último, compuesto por Henry Paul en homenaje a su amigo Ronnie Van Zant, de la banda Lynyrd Skynyrd, fallecido el 20 de octubre de 1977 en un accidente de aviación en el que murieron seis personas en total, tres de ellos (incluyendo a Ronnie) músicos de la banda. Para que podáis ver en acción a la Henry Paul Band, os dejo dos actuaciones en directo interpretando el tema que nos ocupa, una de 1979 y otra de 1982.