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Taj Mahal / The Allman Brothers Band / Tedeschi Trucks Band. “Statesboro Blues”

“At Fillmore East” (1971) es uno de los mejores discos en directo de la historia del rock; incluso tiene el reconocimiento de la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos, pues es uno de los álbumes seleccionados por esta institución para su preservación patrimonial. Los siete temas que componen este disco de The Allman Brothers Band (aquí lo podéis escuchar) fueron grabados los días 11, 12 y 13 de marzo de 1971 en la sala de conciertos Fillmore East (Nueva York -EE.UU.-) Me gusta tanto este doble Lp que ya ha sido protagonista de este blog en tres ocasiones anteriores, tres entradas dedicadas a los temas “Whipping Post”, “In Memory of Elizabeth Reed” y “Call It Stormy Monday (But Tuesday Is Just Bad)”. Hoy, de nuevo, volvemos a recordar este disco a propósito de la melodía titulada “Statesboro Blues”, un viejo blues grabado por primera vez en 1928, por «Blind Willie» McTell -autor de la canción-, uno de los máximos exponentes del “Piedmont Blues”, un subgénero del blues caracterizado por tocar la guitarra sin púa, con una ejecución que recuerda al sonido de un piano tocando ragtime, también se suele llamar “fingerpicking” (aquí podéis escuchar el original a cargo de este músico).

No he podido encontrar versiones posteriores a ésta hasta la década de 1960, cuando aparecen las grabaciones de The Holy Modal Rounders, John Hammond, Koerner Ray & Glover, Tom Rush, Dave Van Ronk y, por supuesto, la del bluesman estadounidense Taj Mahal, ya en formato blues-rock (es nuestra primera versión destacada de hoy); formó parte de su primer álbum (“Taj Mahal”, 1968), y su arreglo fue el que inspiró la ya mencionada versión de los sureños The Allman Brothers Band, todo un festival guitarrero a cargo de Duane Allman y Dickey Betts, lleno de recursos, con las guitarras gimiendo gracias al efecto “slide” y a la maestría de estos músicos. Tras esta inolvidable versión, se grabaron otras, como la de Chris Smither, Kassu Halonen, Blues ‘n’ Trouble, The Youngbloods, Deep Purple, Taj Mahal y Gregg Allman, Paul Brett, Big Band of Brothers o la de Tedeschi Trucks Band (nuestra tercera opción de hoy), grupo estadounidense formado en 2010 tras la fusión de la Derek Trucks Band y la Susan Tedeschi Band; liderada por el matrimonio Tedeschi/Trucks, esta banda grabó su primer álbum en 2010 y aún continúa en activo. En internet se pueden ver varias interpretaciones en directo de “Statesboro Blues” por la Tedeschi Trucks Band, pero me ha parecido especialmente interesante la que os propongo; en primer lugar, por lo bien que canta el tema Susan y, en segundo lugar, por el imponente y épico duelo de guitarras entre Derek Trucks y Brandon “Taz” Niederauer, un jovencísimo guitarrista que, en este directo, debería tener quince o dieciséis años.

«Blind Willie» McTell (1898-1959)

John Lee Hooker / Alexis Korner & Snape / George Thorogood and The Destroyers. “One Bourbon, One Scotch, One Beer”

George Thorogood es un músico y compositor estadounidense de blues-rock y boogie rock aún en activo, de hecho, actuaron hace unos años en Madrid, en Las Noches del Botánico, aunque me perdí el concierto. Comenzó su carrera como solista, aunque pronto formó la banda por la que es conocido: The Delaware Destroyers o, simplemente, The Destroyers. Grabaron su primer álbum en 1977 (“George Thorogood and The Destroyers”), un interesante trabajo en el que se incluyen viejos temas de blues compuestos por músicos como Elmore James, John Lee Hooker, Robert Johnson, Earl Hooker o Bo Diddley. La tercera canción de la cara A se titula “One Bourbon, One Scotch, One Beer”, aunque en realidad es un medley de dos canciones: “House Rent Boogie”, de John Lee Hooker, y “One Scotch, One Bourbon, One Beer”, inicialmente una pieza entre el R&B y el “jump blues, compuesta por Rudy Toombs -autor especializado en canciones de temática alcohólica: “Bad, Bad Whiskey”, “Thinking and Drinking”, “Let Me Go Home, Whiskey” o “Good, Good Whiskey-.

La primera grabación fue la del cantante y pianista Joseph Amos Milburn, en el ámbito del R&B, después vendrían otras dentro de estas mismas coordenadas musicales o cercanas al jazz, incluso al pop, como las de LaVergne Smith, Snooks Eaglin, Thurston Harris with Earl Palmer and Band, Jimmy Witherspoon o Bobby Lee. Pero el que cambió radicalmente la canción fue John Lee Hooker; convirtió el tema en un blues, cambió el orden de las bebidas en el título, incluso la letra, y sentó las bases musicales para su “rockerización” y apertura estilística; así, tenemos versiones cercanas al reggae (Pete Campbell), al ska instrumental (Don Drummond & The Skatalites), al boogie rock (Thunderbirds), al blues (Sonny Terry & Brownie McGhee) y, por supuesto, al R&R (Peter Thorup, Swing Cats, Casey Sisters & The Salt Flat Stompers o Glee Cast).

Entre la versión de John Lee Hooker, de 1966, y el medley de George Thorogood and The Destroyers, de 1977, se grabó otra que a mí me parece fabulosa, la del músico británico (francés de nacimiento) Alexis Korner (voz, guitarra), uno de los padres del british blues; fue incluida en el disco titulado “Accidentally Born in New Orleans” (1972), grabado junto a Peter Thorup (voz, guitarra) y la banda Snape, compuesta por miembros de King Crimson: Boz Burrell (bajo), Mel Collins (saxo) e Ian Wallace (batería); según he podido leer, también participaron en la grabación de este álbum: Steve Marriott (órgano), Tim Hinckley (piano) y Zoot Money (piano).

La letra de la canción habla del típico pesado de bar, aferrado a la última copa antes de cerrar el establecimiento para tratar de soportar el daño causado por la ausencia de su novia (o lo que sea). En la primera parte del medley de George Thorogood se pone en contexto la situación del protagonista, y la posible razón del abandono de su chica: “(…) Come home last Friday. I will tell the little woman that I lost my job. She says don’t confront me an’ so I have my rent next Friday. I come home next Friday come, I didn’t have the rent an’ out the door I went (…)”. Aprovecho este tema tan alcohólico para brindar con vosotros, con una cerveza y unos chupitos, por la entrada del año nuevo ¡Feliz 2025! Abrazos para todos.

Howlin’ Wolf / Canned Heat / Joe Bonamassa. “Evil (Is Going On)”

William James Dixon, conocido con el nombre artístico de Willie Dixon, fue un músico, compositor y productor discográfico de blues, nacido en Vicksburg (Mississippi -EE.UU.-), el 1 de julio de 1915. Nacido en el seno de una familia numerosa de catorce hermanos, cantaba en la iglesia baptista de Springfield cuando apenas tenía cuatro años. Conoció el blues durante su adolescencia y juventud, época en la que ya destacaba como compositor para grupos locales. Marchó hacia Chicago en 1936, donde se convirtió en boxeador profesional (pesaba unos 115 kilos y medía poco menos de dos metros); en el gimnasio, contactó el músico de blues Leonard Carton, quien le animó para que se dedicara a la música, actividad en la que, además de compositor, también destacaba como contrabajista. Su carrera profesional se quedó congelada durante la II Guerra Mundial, debido a la negativa de Dixon a ser reclutado, como protesta por lo que él consideraba racismo institucionalizado de su país; fue encarcelado durante diez meses. Después de la Guerra firmaría con la Chess Records, donde empezó como músico y acabó como compositor y productor musical de los más importantes blues men del momento. De hecho, a Willie Dixon se le considera como una de las figuras claves del “Chicago Blues”, estilo musical del que ya hablamos en una entrada dedicada al tema “Highway 49”. A él se deben muchas canciones que ya son historia del blues, como “Little Red Rooster”, “Hoochie Coochie Man”, “Spoonful”, “My Babe” o nuestro tema de hoy: “Evil (Is Going On)”, por poner sólo algunos ejemplos; o el tema “You Need Love”, que acabaría siendo utilizado por Led Zeppelin para componer su conocidísimo “Whole Lotta Love”, melodía finalmente acreditada a Page, Plant, Bonham, Jones y Dixon. Nuestro protagonista falleció debido a una insuficiencia cardiaca, el 29 de enero de 1992.

“Evil (Is Going On)”, también conocida como “Evil”, fue grabada por Howlin’ Wolf para la Chess Records, en 1954, con la intervención de los siguientes músicos: Hubert Sumlin (guitarra), Jody Williams (guitarra), Otis Spann (piano), Earl Phillips (batería) y Willie Dixon (bajo). Este blues sobre el mal que puede sobrevenir a un hogar cuando el hombre no está presente, fue grabado en 1967 por la banda de blues-rock y boogie-rock Canned Heat, y recogido en su homónimo primer álbum de estudio. Si esta versión ya es decididamente rockera, no os perdáis la de Cactus, dentro del hard rock más contundente, publicada en 1971. Después de estas primeras versiones, se grabarían otras -algunas más bluseras, otras más rockeras-, como las de Derek & The Dominos, Luther Allison, Koko Taylor, Wentus Blues Band, The Jeff Healey Band, Mike Zito, Captain Beefheart & His Magic Band, EG Kight o nuestra tercera propuesta destacada de hoy, la del guitarrista estadounidense Joe Bonamassa, grabada en directo, que comienza con un video en el que habla Howlin’ Wolf.

Willie Dixon (1915-1992)

Sonny Boy Williamson II / New York Dolls / Rory Gallagher. “Don’t Start Me Talkin’”

New York Dolls fue una banda estadounidense de protopunk y glam rock creada en 1971 y disuelta entre 1975 y 1977. Con dos álbumes de estudio en su haber, fue uno de los grupos de referencia para los Sex Pistols, la formación británica que acabaría por elevar el punk a fenómeno de masas. Influenciados, a su vez, por músicos del ámbito del garage rock, el glam rock el protopunk y el R&B como David Bowie, Marc Bolan, The Stooges, MC5 o The Rolling Stones, apostaron por un sonido enérgico, contundente y sencillo, que acompañaron con una estética travestida y carnavalera, en la que no faltaba la ropa de mujer, los tacones, los pantalones ajustados y los peinados cardados. Tras un primer Lp (“New York Dolls”, 1973) sin apenas éxito entre el público, publicaron el titulado “Too Much Too Soon” (1974), que tampoco caló demasiado aunque, con el paso de los años, ha acabado convirtiéndose en uno de los discos de culto del protopunk. En él se incluyeron temas compuestos por ellos -recordemos quienes eran: David Johansen (voz), Arthur “Killer” Kane (bajo), Terry Nolan (batería), Sylvain Sylvain (guitarra, voz) y Johnny Thunders (guitarra, voz)- y algunas versiones como la que hoy nos ocupa (“Don’t Start Me Talkin’”), un blues compuesto por Aleck Miller, más conocido como Sonny Boy Williamson II.

Fue el primer sencillo que Sonny Boy grabó para la discográfica Checker Records -antes había trabajado para Trumpet Records-; lo hizo con un grupo de músicos excepcional: Otis Spann (piano), Muddy Waters (guitarra), Jimmy Rogers (guitarra), Willie Dixon (bajo) y Fred Below (batería). Este primer registro de “Don’t Start Me Talkin’” fue publicado en 1955. Si no me equivoco, no se volvió a grabar este tema hasta la década de 1960, entonces lo harían Junior Wells o The James Cotton Blues Band, entre otros. Como habréis podido observar, las dos versiones que he elegido para acompañar al original son bastante cañeras; la de New York Dolls ya la hemos puesto en contexto; la otra, la del excelente guitarrista irlandés Rory Gallagher, fue incluida en su décimo álbum de estudio, titulado “Defender” (1987). Si os apetece seguir escuchando versiones de este tema, podéis probar con las de Bob Dylan, The Doobie Brothers, John Hammond, The Yarbirds, Dion, The Climax Blues Band, Dr. Feelgood, Etta James, Bobby Rush, Gary Moore, Willie “Big Eyes” Smith, Fenton Robinson o Peter Green Splinter Group.

Howlin’ Wolf. “Highway 49”

Entre 1915 y 1930, un millón setecientos cincuenta mil estadounidenses de origen africano abandonaron  el sur del país tratando de escapar del racismo, y en busca de trabajo en los estados del medio oeste, oeste y noroeste, principalmente en grandes ciudades como Detroit, Nueva York o Chicago. Viajaron con lo puesto, pues eran muy pobres en lo tocante a bienes materiales,  pero tenían un gran tesoro: su música. El viejo delta blues del Mississippi fue abandonando la temática y los modos rurales para adaptarse a la idiosincrasia ambiental y social de los entornos urbanos; se fue electrificando (sobre todo las guitarras), se añadieron instrumentos (batería, bajo, piano, incluso saxo) y efectos electrónicos como la distorsión o la amplificación. Este nuevo subgénero del blues, conocido como chicago blues, acabaría siendo el pozo del que bebieron gran parte de las grandes figuras del rock durante la década de 1960 y, de algún modo, fue la fuente de inspiración para algunos pioneros del R&R, como Bo Diddley o Chuck Berry, y para todos los músicos que, de un modo u otro, formaron parte del movimiento conocido como british blues. Músicos como Eric Clapton, los primeros Rolling Stones, The Yardbirds, The Animals, Rory Gallagher, Fleetwood Mac, Alexis Corner o John Mayall, por citar sólo algunos, no podrían habernos ofrecido todo su torrente creativo si antes no hubieran escuchado a Muddy Waters, Big Bill Broonzy, Kokomo Arnold, Arthur “Big Boy” Crudup, Willie Dixon, Elmore James o Howlin’ Wolf, el intérprete de nuestra canción de hoy.

Nacido como Chester Arthur Burnett, en 1910, fue uno de aquellos afroamericanos que tuvieron que emigrar al norte en busca de oportunidades. Con su imponente figura (casi dos metros de altura y más de ciento treinta kilos de peso), su particular y agresiva manera de cantar (aullidos, distorsiones, un uso del tempo sin igual) y un apodo perfecto para su estilo, este gigante con sangre africana y nativa americana (tribu choctaw) en sus venas, consiguió el éxito durante la década de 1950, unos veinte años después de que comenzara a ganarse de vida como bluesman. Falleció en 1976, a los sesenta y cinco años, víctima de un carcinoma cerebral agravado con una insuficiencia cardiaca.

El tema con el que encabezamos esta entrada (“Highway 49”) fue compuesto por Big Joe Williams, y grabado por él en 1935 bajo el título de “Highway Blues”. Howlin’ Wolf lo incluyó en el álbum titulado “The London Howlin’ Wolf Sessions” (1971), en el que intervinieron como músicos grandes figuras del rock. En concreto, los que arroparon a Howlin’ Wolf en el tema que nos ocupa fueron los siguientes: Hubert Sumlin (su guitarrista habitual), Eric Clapton (guitarra solista), Steve Winwood (piano) y los Rolling Stones Bill Wyman (bajo) y Charlie Watts (batería). Finalizo con algunas versiones, en concreto a cargo de Eric Clapton & Jimmy Page, Muddy Waters (rodeado de varios músicos excepcionales), George Thorogood & The Destroyers, The Jeff Healey Band y Carvin Jones.

Howlin’ Wolf (1910-1976)