Etiqueta: Blues

Howlin’ Wolf. “Highway 49”

Entre 1915 y 1930, un millón setecientos cincuenta mil estadounidenses de origen africano abandonaron  el sur del país tratando de escapar del racismo, y en busca de trabajo en los estados del medio oeste, oeste y noroeste, principalmente en grandes ciudades como Detroit, Nueva York o Chicago. Viajaron con lo puesto, pues eran muy pobres en lo tocante a bienes materiales,  pero tenían un gran tesoro: su música. El viejo delta blues del Mississippi fue abandonando la temática y los modos rurales para adaptarse a la idiosincrasia ambiental y social de los entornos urbanos; se fue electrificando (sobre todo las guitarras), se añadieron instrumentos (batería, bajo, piano, incluso saxo) y efectos electrónicos como la distorsión o la amplificación. Este nuevo subgénero del blues, conocido como chicago blues, acabaría siendo el pozo del que bebieron gran parte de las grandes figuras del rock durante la década de 1960 y, de algún modo, fue la fuente de inspiración para algunos pioneros del R&R, como Bo Diddley o Chuck Berry, y para todos los músicos que, de un modo u otro, formaron parte del movimiento conocido como british blues. Músicos como Eric Clapton, los primeros Rolling Stones, The Yardbirds, The Animals, Rory Gallagher, Fleetwood Mac, Alexis Corner o John Mayall, por citar sólo algunos, no podrían habernos ofrecido todo su torrente creativo si antes no hubieran escuchado a Muddy Waters, Big Bill Broonzy, Kokomo Arnold, Arthur “Big Boy” Crudup, Willie Dixon, Elmore James o Howlin’ Wolf, el intérprete de nuestra canción de hoy.

Nacido como Chester Arthur Burnett, en 1910, fue uno de aquellos afroamericanos que tuvieron que emigrar al norte en busca de oportunidades. Con su imponente figura (casi dos metros de altura y más de ciento treinta kilos de peso), su particular y agresiva manera de cantar (aullidos, distorsiones, un uso del tempo sin igual) y un apodo perfecto para su estilo, este gigante con sangre africana y nativa americana (tribu choctaw) en sus venas, consiguió el éxito durante la década de 1950, unos veinte años después de que comenzara a ganarse de vida como bluesman. Falleció en 1976, a los sesenta y cinco años, víctima de un carcinoma cerebral agravado con una insuficiencia cardiaca.

El tema con el que encabezamos esta entrada (“Highway 49”) fue compuesto por Big Joe Williams, y grabado por él en 1935 bajo el título de “Highway Blues”. Howlin’ Wolf lo incluyó en el álbum titulado “The London Howlin’ Wolf Sessions” (1971), en el que intervinieron como músicos grandes figuras del rock. En concreto, los que arroparon a Howlin’ Wolf en el tema que nos ocupa fueron los siguientes: Hubert Sumlin (su guitarrista habitual), Eric Clapton (guitarra solista), Steve Winwood (piano) y los Rolling Stones Bill Wyman (bajo) y Charlie Watts (batería). Finalizo con algunas versiones, en concreto a cargo de Eric Clapton & Jimmy Page, Muddy Waters (rodeado de varios músicos excepcionales), George Thorogood & The Destroyers, The Jeff Healey Band y Carvin Jones.

Howlin’ Wolf (1910-1976)

Bobby «Blue» Bland / Eric Clapton / Joe Bonamassa & Eric Clapton. “Farther Up the Road”

Bobby “Blue” Band, nacido como Robert Calvin Brooks (1930-2013), fue un cantante estadounidense de blues nacido en Barretville (Tennessee). Con unos diecisiete años se mudó a Memphis para cantar con grupos locales de gospel; allí se integraría con los Beale Streeters, una especie de coalición musical de la que formaban parte artistas como Junior Parker, BB King, Rosco Gordon, John Alexander o el propio Bobby “Blue” Bland. Grabó sus primeros sencillos entre 1951 y 1952, sin mucho éxito, acompañado al piano por el cazatalentos Ike Turner, conocido por su dúo con Tina Turner durante las décadas de 1960 y 1970. No obtendría un importante éxito comercial hasta el año 1957, precisamente con el tema que hoy nos ocupa: “Farther Up the Road”. Se mantuvo en activo hasta poco tiempo antes de su fallecimiento, en 2013, cuando tenía ochenta y tres años.

Tal y como comentábamos, “Farther Up the Road” fue publicado como single en 1957, por la compañía Duke Records, con el tema “Sometime Tomorrow” en la cara B. La composición está atribuida a Joe Medwick Veasey y a Don Robey, propietario de Duke; sin embargo, parece que el bluesman John Clyde Copeland afirmó en alguna ocasión que el tema había sido escrito por Medwick y por él, pero el primero acabaría concediendo los derechos de Copeland al magnate de Duke; según Bobby “Blue” Bland, la canción fue escrita por Medwick, por supuesto sin la participación de Robey. Podríamos decir que “Farther Up the Road” fue uno de esos temas que protagonizaron la transición musical entre los viejos sonidos del blues, característicos de la década de 1940, y el nuevo blues de los años sesenta, ese que tanto hizo por el desarrollo del rock, y el que acabaron rescatando los grandes artistas y grupos de british blues, como Eric Clapton, John Mayall, Alexis Corner o Fleetwood Mac.

El shuffle de esta composición, es decir, esa característica ejecución de las corcheas de manera «atresillada» (aquí lo explican), nos hace pensar en un blues más evolucionado, con un ritmo que acabaría hermanándose con el rock en cuanto los músicos de este último estilo aceleraron su ejecución. Un claro ejemplo lo tenemos en la archiconocida versión de Eric Clapton -nuestra segunda propuesta destacada de hoy-, grabada en directo y publicada en su álbum “EC Was Here” (1975) bajo el título de “Further On Up the Road”. Antes de este clásico de Eric Clapton, publicaron sus versiones Don Preston, Shakey Jake & The All Stars, Lonnie Mack, Slim’s Blues Gang, Roy Buchanan o Little Sony. Después de la versión de Clapton del año 1975, vendrían las de Freddie King, James Brown, Johnny Copeland, Gary Moore, Mike Bloomfield, Mick Hucknall, Oscar Wilson y, por supuesto, las del propio Clapton, siempre en directo, con The Band, Jeff Beck, Freddie King o Joe Bonamassa -nuestra tercera opción destacada-, en la que podemos disfrutar con un fabuloso duelo diálogo de guitarras entre el británico y el estadounidense.

Elvis Presley / Terence Trent D’Arby / Santiago y Luis Auserón. “Heartbreak Hotel”

A comienzos de 1956, Elvis Presley daba sus primeros pasos en la discográfica RCA Victor. Abandonaba así su etapa iniciática con Sun Records, de la que nos hemos ocupado a propósito de dos temas seminales del R&R: “That’s All Right” y “Blue Moon of Kentucky”. El primer single con RCA Victor contenía las canciones “Heartbreak Hotel” (cara A) y “I was the One” (cara B), y fue todo un éxito de ventas gracias a la melodía protagonista de nuestra entrada de hoy. “Heartbreak Hotel” fue escrito por Mae Boren Axton, una maestra de secundaria con experiencia en la industria musical, y el cantautor Tommy Durden, a partir de un artículo publicado en el diario estadounidense The Miami Herald sobre un hombre que había destruido todos los documentos relativos a su identidad, antes de suicidarse saltando por la ventana de un hotel y dejar una nota de suicidio: “camino por una calle solitaria”. En 2016, la revista Rolling Stone sugirió que el origen de la canción era otro, a partir de unas notas escritas por Alvin Krolik, un pintor que decidió dedicarse a delinquir tras un matrimonio fracasado; falleció en agosto de 1955, abatido a tiros durante un intento de robo en El Paso (Texas -EE.UU.-); El Paso Times informó del suceso, con un artículo titulado: “Historia de una persona que caminó por la calle solitaria”.

Sea como fuere, Mae Boren Axton y Tommy Durden consiguieron convencer a Elvis Presley para que cantara el tema en directo y, más tarde, para que lo grabara con su nuevo sello discográfico RCA Victor; aunque, en realidad, fue la segunda opción de los autores de la canción, después de que el dúo Wilburn Brothers se negara a interpretarla por considerarla extraña y algo morbosa. La grabación se realizó el 10 de enero de 1956, con la siguiente banda: Scotty Moore (guitarra eléctrica), Chet Atkins (guitarra acústica), Bill Black (contrabajo), DJ Fontana (batería) y Floyd Cramer (piano); como productor, en los créditos, figura Steve Sholes, aunque realmente fue el propio Elvis el que asumió este rol, hasta el extremo de que Tommy Durden admitió que no reconoció su canción tras los cambios de fraseo, letra, tempo, ritmo y sonido efectuados por Elvis.

“Heartbreak Hotel”, uno de los temas que el “El Rey” nunca dejó de cantar en directo -la última que lo hizo fue el 29 de mayo de 1977, en el Civic Center de Baltimore-, ha sido versionado por muchos artistas y grupos de estilos diferentes, como Conway Twitty, Pat Boone, Johnny Cash, Chet Atkins, Merle Haggard, Willie Nelson y Leon Russell, Lynn Anderson, Tanya Tucker, Billie Jo Spears, Ann-Margret, Delaney Bramlett, Neil Diamond y Kim Carnes, Billy Joel, Gregg Lake, Sha Na Na, John Cale, Boby Dylan, Bruce Springsteen, Led Zeppelin, Van Halen, Suzi Quatro, Gun’s n’Roses, Lynyrd Skynyrd, The Chieftains y Chet Atkins, Hanni El Khatib, Johnny Hallyday (en francés), Los Hooligans (en español) o Carlos Segarra (en español), por mencionar sólo algunos. Para acompañar a Elvis, os propongo dos versiones diferentes y atrevidas; la del neoyorkino Terence Trent D’Arby fue publicada en un “Greatest Hits” del año 2002, y la de Santiago y Luis Auserón -bien conocidos como fundadores del grupo español Radio Futura– se incluyó en un álbum de versiones interesantísimo, y muy recomendable, titulado “Las Malas Lenguas” (2006), en el que también podemos escuchar versiones muy singulares de clásicos del blues y el rock, como “You Never Can Tell”, Sunday Morning”, “Wild Things”, “I Heard it Throunh the Grapevine”, “Set me free”, etc.

T-Bone Walker / Alexis Corner’s Blues Incorporated / The Allman Brothers Band. “Call it Stormy Monday (But Tuesday is Just Bad)”

Aaron Thibeaux Walker, más conocido como T-Bone Walker, fue un cantante y guitarrista estadounidense de ascendencia afroamericana y cheroqui, pionero en el uso de la guitarra eléctrica en el blues y en la aproximación de este género al rock; su manera de tocar la guitarra, y de acelerar el blues, ha influido en músicos de este estilo y también en otros más próximos al rock, algunos incluso lo han reconocido de manera explícita, como Chuck Berry, BB King, Steve Miller o Jimi Hendrix, éstos dos últimos imitaron la costumbre que tenía T-Bone Walker de tocar la guitarra de espaldas, y con los dientes. De madre y padrastro músicos, a los quince años ya tocaba como profesional y, antes de cumplir los veinte, había grabado su primer disco con Columbia Records.

Una buena parte de su producción musical fue registrada entre 1946 y 1948, incluyendo el tema que hoy nos ocupa: “Call it Stormy Monday (But Tuesday is Just Bad)”, comúnmente conocido como “Stormy Monday” o “Stormy Monday Blues” aunque, en este último caso, de manera impropia, ya que existe otra canción con ese mismo título debida a Earl Hines y su orquesta, que fue grabada con anterioridad (1942). A la confusión en torno a estas dos melodías, tanto en los títulos como en las autorías y en las versiones que se hicieron después, también contribuyó el propio T-Bone Walker, concretamente a través de una entrevista en la que afirmó que grabó la canción en 1940, justo antes de que los Estados Unidos entraran en la II Guerra Mundial, pero que no fue lanzada debido a la situación derivada del conflicto bélico; sin embargo, según han señalado algunos especialistas musicales, lo más probable es que se grabara en una fecha cercana a la de su publicación, en 1947.

Este clásico del blues cuenta con muchísimas versiones, la mayor parte de ellas grabadas a partir de los años sesenta; precisamente de 1960 es el registro de Bobby Bland, una interpretación con nuevos arreglos, que fue el punto de partida para muchas de las versiones que se harían después. Entre las que a mí me parecen más interesantes, están las de Manfred Mann, John Mayall & The Bluesbreakers, Buddy Guy & Junior Wells, Freddie King, The Outlaw Blues Band, Van Morrison, Colosseum, Albert King, Albert King & Stevie Ray Vaughan, BB King, Albert Collins, Jethro Tull, Gary Moore, Otis Rush, Eric Clapton, Diane Schuur, Rita Coolidge, Eva Cassidy, Roy Buchanan o las dos que hoy he elegido para acompañar al original de T-Bone Walker. En primer lugar, la de Alexis Corner (y su Blues Incorporated), uno de los padres del british blues, incluida en su álbum “Red Hot from Alex” (1964). La segunda es un directo de más de diez minutos de duración, grabado por The Allman Brothers Band para su disco “At Filmore East” (1971), un trabajo del que ya hemos hablado en dos entradas anteriores, dedicadas a los temas “Whipping Post” e “In Memory of Elizabeth Reed”.

3300881f4031da5fe417885ff2ea629e

T-Bone Walker (1910-1975)

Tracy Nelson y Marcia Ball. “Heart to Heart”

“Sing it!” es el título de un álbum excelente, publicado por el sello Rounder Records en el año 1998. Participan en él músicos como Lee Allen Zeno (bajo), Raymond Weber (batería), Michael Toles (guitarra) o Dave Torkanowsky (teclados), entre otros; y, por supuesto, tres voces femeninas excepcionales: Marcia Ball (también pianista), Irma Thomas y Tracy Nelson. A la primera de ellas tuve la suerte de verla hace un par de años, en el Festival de Jazz de Madrid; salí entusiasmado de aquel vibrante concierto, en el que Marcia y su banda nos deleitaron con ese estilo tan característico de la Luisiana estadounidense, desde el blues de los pantanos al boogie-woogie pasando por el R&B y la tradición de la música cajún. Irma Thomas, conocida como la reina del soul de Nueva Orleans, es una de las vocalistas que más han influido en la manera de cantar de Marcia Ball, con quien habitualmente colabora (o, al menos, colaboraba); lleva grabando álbumes desde 1964, ya sea en solitario o en colaboraciones con artistas como BB King, Hugh Laurie o las mencionadas Marcia Ball y Tracy Nelson. Ésta última cantante, nacida en Madison (Wisconsin), es conocida por su papel protagonista en la banda estadounidense de blues-rock Mother Earth, a la que llegó después de su experiencia como solista -grabó un disco de blues acústico titulado “Deep Are the Roots” (1965)-.

Aunque os recomiendo que escuchéis “Sing it” en su totalidad, por si acaso no os animáis, os propongo que al menos prestéis atención a la balada titulada “Heart to Heart”, con Tracy Nelson en la voz solista y Marcia Ball al piano y en los apoyos vocales. El autor de la canción es Donnie Fritts, un conocido músico de sesión y cantautor, que ha sido teclista del actor y músico de country Kris Kristofferson durante más de cuarenta años; ha escrito canciones para Charlie Rich o Jerry Lee Lewis, y ha aparecido en algunas películas de Sam Peckinpah en las que interviene Kris Kristofferson, como “Pat Garret y Billy el Niño”, “Quiero la cabeza de Alfredo García” o “Convoy”; en 2008 fue incluido en el Alabama Music Hall of Fame; falleció en agosto de 2019.

De izquierda a derecha: Irma Thomas, Marcia Ball y Tracy Nelson