Categoría: Hard Rock-Heavy Metal

Free. “All Right Now”

La reproducción reiterada de una canción, aunque nos guste, puede provocar hastío, incluso rechazo. Este fenómeno, propiciado por algunas radiofórmulas, puede llegar a agotar una canción o llevarla a un estado de “putrefacción sonora”, término acuñado por un antiguo compañero bloguero (Salva), cuando comenzamos juntos en este mundillo de los blogs musicales. Hoy recordamos uno de esos  temas que no suelen faltar en emisoras de radio dedicadas al rock, en televisión, incluso en algunos eventos deportivos. “All Right Now” fue el gran éxito de la banda británica Free, formación surgida en 1968, en el contexto del movimiento musical conocido como “british blues”, del que formaron parte grupos y artistas como Alexis Corner, John Mayall, Eric Clapton, Fleetwood Mac o los primeros Rolling Stones. De hecho, Alexis Corner fue quien dio nombre a la banda, y quien recomendó la inclusión de Andy Fraser como bajista; los otros tres miembros fundadores fueron Paul Kossoff (guitarra), Simon Kirke (batería) y Paul Rodgers (voz). El primer concierto lo ofrecieron el 19 de abril de 1968, en un pub londinense; Fraser tenía quince años, Kossoff diecisiete, mientras que Rodgers y Kirke tan solo habían cumplido los dieciocho. Sus dos primeros álbumes (Tons of Sobs” y “Free”, ambos de 1969) apenas tuvieron repercusión, pero su suerte cambió con el tercer disco, titulado “Fire and Water” (1970), en el que se incluyó “All Right Now”, tema también promocionado como single.

Según ha manifestado algún miembro de la banda, esta canción fue compuesta por Andy Fraser y Paul Rodgers en apenas diez minutos, después de un concierto horroroso, al que apenas acudió público y, los pocos que lo presenciaron, tampoco estuvieron muy receptivos. Los integrantes de Free entendieron que su blues-rock sosegado necesitaba de una canción que rompiera con la monotonía, una composición enérgica, que incluso pudiera ser cantada o coreada por los asistentes a sus conciertos. “All Right Now” fue compuesta de manera instantánea, en el camerino de aquel Dunelm House, el edificio de la Unión de Estudiantes de Durham donde dieron aquel desastroso concierto. Cocinaron este superéxito con los ingredientes habituales: un estribillo fácil de recordar -repetido hasta la extenuación-, un riff de guitarra asociado a la melodía, una voz perfectamente ajustada y un ritmo para todos los públicos, entre hardrockero y pop-rockero. Ya tenían lo que querían, ahora les tocaba probarlo en directo, y así lo hicieron; tocaron la canción al comenzar una de sus actuaciones y, cuando estaban acabando, preguntaron al público si querían escuchar algún tema más, la respuesta no se hizo esperar, solicitándoles el tema con el que habían abierto el concierto. El éxito de “All Right Now”, y de su álbum “Fire and Water”, acabó por llevarlos hasta el Festival de la isla de Wight, donde actuaron ante más de seiscientas mil personas. A partir de ahí, todo fue mal: nunca consiguieron un éxito como “All Right Now”, lo más cerca que estuvieron de ello fue con el tema “Wishing Well”, incluido en su sexto y último álbum de estudio (“Heartbreaker”, 1973), después se disolvería el grupo.

Además del original de estudio, con el que encabezamos esta entrada, os recomiendo este directo de 1970, donde les podéis ver; y una versión, entre las muchas que existen, a cargo de Mike Oldfield, registrada en las sesiones de grabación de “Platinum” (1979), aunque no llegó a ser incluida en este disco; colaboraron en ella los músicos Pierre Moerlen, Tom Newman y la cantante Wendy Roberts; el tema apareció en el programa musical de televisión “Alright Now”, emitido por la cadena británica ITV entre 1979 y 1980.

Aerosmith. “Dream On”

Aerosmith, la banda de hard rock y heavy metal liderada por Steven Tyler, se formó durante el año 1970 en la ciudad estadounidense de Boston, a partir de dos grupos hermanados (The Strangeurs -después llamado Chain Reaction- y The Jam Band -también conocido como Joe Perry’s Jam Band-), que decidieron fusionarse tras una noche en la que coincidieron en el mismo concierto. La idea surgió de Steven Tyler, entonces batería de Chain Reaction, pero se negó a tocar este instrumento con el nuevo grupo; o era el líder y vocalista principal, o no formaría parte del grupo. Desde la Joe Perry’s Jam Band se incorporaron el guitarrista principal, Joe Perry, y el bajista Tom Hamilton; a ellos se unió el batería Joey Kramer y, posteriormente, Brad Whitford (guitarra rítmica), que había sustituido a Ray Tabano, amigo de la infancia de Tyler.

Esta formación fue la que hizo frente a las sesiones de grabación de su primer álbum (“Aerosmith”, 1973). Lo hicieron con el sello Columbia Records, después de que el presidente de esta compañía quedara gratamente sorprendido tras verlos actuar en directo. Las canciones que forman parte de “Aerosmith” fueron compuestas, en su mayoría, por Steven Tyler; un puñado de temas entre el R&R y el hard rock, sobre una base musical de guitarras, bajo, batería y ocasionalmente teclados, aunque también se utilizaron otros instrumentos, como el clavicordio eléctrico, el piano, la armónica, la flauta o el mellotrón, concretamente éste último en el tema que protagoniza nuestra entrada de hoy: “Dream On”.

Se trata de una power ballad escrita por Steven Tyler cuando tenía 17 ó 18 años, y aún era el batería de Chain Reaction. Según ha manifestado el propio Tyler, la inspiración para componer esta melodía le llegó cuando aún era adolescente, tras escuchar la música clásica que su padre tocaba al piano. El núcleo principal de esta balada lo compuso con un piano vertical Steinway, aunque la letra no la terminó hasta las sesiones de grabación del primer álbum de Aerosmith, ya con la ayuda del resto de sus compañeros, quienes terminaron por adaptar a las guitarras un tema como éste, compuesto inicialmente al piano; con todo, Tyler suele tocar y cantar en directo “Dream On” sentado al piano (aquí le podéis ver). Esta canción sobre la perseverancia y los anhelos de hacer reales los sueños, acabó siendo publicada como single unos meses después del lanzamiento del álbum, pero con una duración menor (aquí lo tenéis); en 1975 se reeditó y, en 2007, se realizó una nueva grabación para el juego “Guitar Hero: Aerosmith”. “Dream On” ha sido “sampleada” por raperos como Eminem, concretamente en el tema “Sing For The Moment”, y versionada por artistas de diferentes estilos; aquí os dejo una interpretación de Steven Tyler, Slash y Train del año 2014, otra a cargo de Dio e Yngwie Malmsteen, y una versión de la cantante pop estadounidense Anastacia.

Blue Öyster Cult. “(Don’t Fear) the Reaper”

En 1967, tres jóvenes músicos neoyorkinos crearon el grupo de rock psicodélico Cow, posteriormente denominado Soft White Underbelly. A Albert Buchard (batería y percusiones), Allen Lanier (teclados) y Donald “Buck Dharma” Roeser (guitarra) pronto se uniría el vocalista Eric Bloom. Poco a poco fueron abandonando los sonidos psicodélicos para buscar acomodo en el hard rock; de hecho, tras algunos de sus conciertos se ganaron el calificativo de “la banda más violenta de Nueva York”. En 1972 firmaron para CBS, ya con el nombre que les hizo famosos: Blue Öyster Cult. En una vieja entrada de este blog, dedicada al tema titulado “Joan Crawford”, comentaba algunas de las principales señas de identidad de esta formación estadounidense: querencia por el ocultismo y por el esoterismo, confusas y enigmáticas letras, y esa cruz que les caracteriza, una adaptación del símbolo del Titán Cronos que, en más de una ocasión, ha sido confundido con la parafernalia nazi.

Publicaron su primer disco (“Blue Öyster Cult”) en 1972, después vendrían “Tyranny and Mutation” (1973), “Secret Treaties” (1974), el directo “On Your Freet or on Your Knees” (1975) y “Agent of Fortune” (1976). En este último disco se incluyó el tema “(Don’t Fear) the Reaper”, el más conocido del grupo, junto con “Burnin’ For You”. Desde mi punto de vista, éste fue el mejor momento para Blue Öyster Band, la década de 1970 y, quizás, la de los ochenta, ya incorporados -al menos en lo que respecta al sonido- a la nueva ola del heavy metal británico, de la que formaron parte bandas como Iron Maiden, Saxon, Def Leppard o Motörhead. Aunque de manera intermitente, han seguido publicando discos después de los años noventa, y siguen actuando en directo, tal y como puede leerse en su página web, con buena parte de la formación original; sin ir más lejos, durante el pasado mes de junio, actuaron como cabezas de cartel en el BBK Bilbao Music Legends Fest.

“(Don’t Fear) the Reaper”, una sencilla reflexión sobre la inevitabilidad de la muerte, fue escrita por el guitarrista Buck Dharma cuando pensó en lo que sucedería si falleciera joven; parece que nunca fue su intención plantear esta canción como un alegato suicida, como algunos pensaron tras escuchar el verso: “Romeo and Juliet are together in eternity”. En lo tocante a la parte musical, podríamos decir que hay un pequeño guiño a los orígenes psicodélicos de la banda, que se evidencia en la parte central de la canción, con un segmento en la frontera con lo psicodélico-progresivo. Otra de las particularidades de este tema es la utilización de un cencerro como instrumento de percusión, algo de lo que no se olvidaron en la parodia que hicieron de esta canción para el programa de televisión “Saturday Night Live”, en abril del año 2000. “(Don’t Fear) the Reaper)” tiene bastantes versiones, la mayoría de ellas por grupos no excesivamente conocidos, y su presencia es habitual en series de televisión (“Los Simpson”, “1899”, “Orange is the new black” o “The Stand”), películas (“La noche de Halloween” o “The Stöned Age”), o videojuegos (“Prey” o “Fortnite Festival”). Para que os hagáis una idea de cómo se desempeñaba esta banda en directo, os dejo tres interpretaciones en vivo de esta canción, fechadas en 1977, 1981 y 2002. Si queréis saber más cosas de esta canción, no dejéis de leer la entrada que dedicó la compañera Eva a este clásico del hard rock en su blog Canciones robadas, con homenaje incluido a la película “El séptimo sello” (1957), de Ingmar Bergman.

Gary Moore (y Phil Lynott). «Spanish Guitar»

El guitarrista Gary Moore es uno de los habituales de este blog, ya sea en días de versiones (“Wishing Well”, “Friday on My Mind”, “Oh, Pretty Woman” o “Don’t me be Misunderstood”) o con canciones propias, en particular baladas, suerte en la que fue un consumado especialista; véanse, por ejemplo, sus temas titulados “The Loner”, “Parisienne Walkways”, “Still Got The Blues (For You)” o el que recordamos en nuestra entrada de hoy: “Spanish Guitar”.

Nacido en Belfast (Irlanda del Norte), se inició en la música gracias a su padre, director del salón de baile Queen’s Hall de Holywood (Irlanda del Norte); a los diez años ya tocaba canciones de los Shadows y los Beatles con su guitarra acústica, incluso formó su propia banda poco tiempo después. Se fue de casa a los dieciséis años, debido a la mala relación que tenía con sus padres, estableciéndose en Dublín (Irlanda); allí se enroló en bandas como Skid Row, Dr Strangely Strange o Thin Lizzy, incluso grabó un disco en solitario (acreditado como The Gary Moore Band), titulado “Grinding Stone” (1973). Tras su paso por el grupo Coloseum II, regresó a Thin Lizzy y, siendo aún miembro de esta banda, colaboró en discos de otros músicos y grabó su segundo álbum en solitario (el primero bajo la denominación de Gary Moore): “Back on the Streets” (1978), en el que intervinieron los músicos Don Airey (teclados), John Mole (bajo), Simon Phillips (batería) y sus compañeros de Thin Lizzy Phil Lynott (voz, bajo) y Brian Downey (batería).

Este disco, situado en la época de Gary Moore más cercana al hard rock y el heavy metal que al blues-rock que le hizo famoso, se reeditó en 2013, en formato CD, con cuatro pistas adicionales: “Track Nine” y tres versiones del tema “Spanish Guitar”, compuesto por él y por su amigo Phil Lynott; en la primera canta Lynott (es la que proponemos encabezando este post), en la segunda Moore y la tercera es una interpretación instrumental a cargo de éste último. “Spanish Guitar” es algo así como la imagen idealizada que tenemos de las vacaciones cuando regresamos a casa; en este caso, la que Gary Moore tenía de España, país al que pretendía regresar en cuanto pudiera. El gran guitarrista de Belfast falleció el 6 de febrero de 2011, a los cincuenta y ocho años, víctima de un infarto de miocardio mientras dormía en el Hotel Kempinski de Estepona (Málaga), probablemente causado por un consumo excesivo de alcohol ingerido en una de aquellas vacaciones que añoraba, cuando escribió “Spanish Guitar”. Si buscáis un poco por internet seguro que encontraréis bastantes covers de esta melodía tocada a la guitarra por personas anónimas, en algunos casos incluso enseñando como hacerlo, aquí tenéis un ejemplo.

Led Zeppelin. “Black Dog”

“Stairway to Heaven” es el tema más conocido del disco sin nombre de Led Zeppelin, habitualmente denominado “Led Zeppelin IV” (1971), una joya del rock, un disco imprescindible para cualquier aficionado a la música. Quizás el otro tema más recordado de este álbum sea “Black Dog”, el primer sencillo comercializado por esta banda británica, protagonista de otras entradas anteriores de este blog, como las dedicadas a las canciones “Babe I’m Gonna Leave You”, “Since I’ve Been Loving”, “Kashmir”, “Whole Lotta Love” o, la anteriormente mencionada, “Stairway to Heaven”. A pesar de que se han querido buscar significados ocultos en la letra de la canción -escrita por Robert Plant-, lo cierto es que nos habla de una chica llena de pasión y sexualidad, pero también peligrosa para la cartera de los hombres que se acercan a ella. El título no tiene nada que ver con lo narrado en la canción, decidieron llamar así el tema para recordar a un labrador negro que deambulaba por los estudios de Headley Grange (Inglaterra), el lugar donde se grabó este Lp.

Pese a que “Black Dog” no está incluida en los listados habituales de “parecidos razonables” que, de manera inmisericorde, han perseguido a esta formación, podríamos decir que está inspirada en el tema de Fleetwood Mac titulado “Oh Well” y, quizás también, en “Long Gone Geek”, de la banda Procol Harum. En cualquier caso, como suele suceder con los temas de Led Zeppelin sospechosamente parecidos a otros más antiguos, el resultado final supera cualquier referencia original; además, en este caso en particular, el tema está diseñado y ejecutado con una complejidad musical al alcance de muy pocos; así lo describe el guitarrista Salvador Domínguez, músico experimentado y una de las personas que más sabe de rock español:

“Black Dog es un tema que entronca con las canciones más duras de discos anteriores. Sin embargo, al terminar la escucha quedé muy intrigado, ya que la métrica era casi imposible de seguir ¿Qué estaba pasando? La respuesta me tomó varias escuchas y consultar a un maestro de solfeo. Y era sencilla: amalgamaban compases (4×4, 5×4, 2×4), jugando además con las síncopas y las acentuaciones, variándolas de lugar. Su maestría musical les permitía transitar en esa compleja dirección. En realidad, la idea había surgido casi por casualidad, mientras Bonham, improvisando a su bola, intentaba encajar ocho corcheas en un compás de 5×4, algo más propio de Mahavishnu Orchestra que de una furibunda banda de heavy rock. A Page y Jones la cosa les hizo gracia y aceptaron el reto. Eso sí, lo harían a su manera: modo Led Zeppelin a toda pastilla”

Salvador Dominguez. Testimonio recogido por Carlos Marcos en el artículo titulado «‘Led Zeppelin IV’: la historia de las ocho canciones que reinventaron el rock» (El País, 07/11/2021).

La canción está firmada por los habituales, Jimmy Page y Robert Plant, y también por el bajista John Paul Jones, autor del inolvidable riff de guitarra tan característico de esta canción; parece que se inspiró en el sonido de “Electric Mud” (1968), el quinto álbum de estudio de Muddy Waters. “Black Dog” siempre ha sido uno de los temas habituales en los directos de Led Zeppelin; aquí tenéis la clásica versión en vivo recogida en el álbum “The Song Remains the Same” (1976); también os dejo otras -donde se les puede ver en acción-, grabadas en 1973, 1979 y 2007. Hoy sólo os voy a proponer una versión, excelente y relativamente reciente, la de la cantante estadounidense Beth Hart, que ha formado parte de su álbum “A Tribute to Led Zeppelin” (2022).