Autor: Raúl

Me llamo Raúl Rodríguez, me dedico a la docencia universitaria y a la investigación en el ámbito de la Historia de la Ciencia, actividades que forman parte de mi vida desde que acabé la carrera, allá por 1986. Sin embargo, la música está conmigo desde mucho antes, desde mi infancia y primera adolescencia, y ha sido siempre una leal compañera. Decidí abrir un blog de canciones con el propósito de encauzar mis inquietudes musicales a través de un canal que pudiera ser sintonizado por otras personas con intereses similares y que, además, sirviera como foro de opinión para todos aquellos que quisieran compartir su pasión por la música. Decidí llamar a este espacio "La Guitarra de las Musas", en honor de las diosas griegas de las Ciencias y las Artes, especialmente de la Poesía y la Música. Quiero pensar que si hubieran tenido guitarras –y baterías, bajos, teclados y demás instrumentos de nuestro tiempo- hubieran sonado como la música propuesta en este blog. En este espacio, el rock en casi todas sus vertientes será el protagonista pero, también, otros estilos como el blues, el jazz, el pop, el soul y las melodías más pegadas a nuestra cultura: cantautores, canción melódica, boleros, corridos mexicanos, tangos, rumbas e, incluso, copla. Por favor, que nadie se enfade conmigo si no encuentra aquí la música que le gusta; la selección de los temas y los comentarios realizados responden, únicamente, a mis intereses particulares que, como bien puede verse, están un poco anticuados. Todos aquellos que busquen música actual no la encontrarán en este sitio.

The Dubliners / Thin Lizzy / Metallica. “Whiskey in the Jar”

El tema “Whiskey in the Jar” es bien conocido en el ámbito del hard rock y el heavy metal, sobre todo desde que la banda Thin Lizzy decidiera grabar una versión –nuestro segundo vídeo destacado-, que acabaría siendo publicada como single a finales de 1972.  Según nos cuentan los amigos de Rockología, la versión de Thin Lizzy surgió de casualidad:

“En una fiesta Phil Lynnot comenzó a tocar canciones irlandesas para pasar el rato con una Telecaster y llegó a Whiskey in the jar. Eric Bell se lio a acompañarle con su guitarra. Brian Downey, un poco borracho, empezó a tocar la batería. Fue divertido pero ahí quedó, sin más. Cuando semanas después entraron a grabar un nuevo single (Black boys on the corner) no había nada para la cara B, por lo que tomaron el tema como alternativa. Lynott cambió la letra, la melodía y el tempo, sobre todo en el estribillo, y Bell añadió la introducción y el riff principal. Decidieron grabarlo con batería y dos guitarras acústicas, sin guitarras eléctricas ni bajo. Y a otra cosa” (Rockología).

Desde entonces, otros rockeros también se han animado con esta canción, es el caso de Gary Moore, Smokie, U2, Simple Minds o Metallica, los protagonistas de nuestra tercera opción de hoy -formó parte de “Garage Inc.” (1998), un álbum de versiones-. Sin embargo, el origen de esta melodía tradicional irlandesa está bien alejado del rock; probablemente se remonte al siglo XVII, desde entonces se ha ido transmitiendo, de manera oral, hasta que fue recuperada por los coleccionistas de canciones y tradiciones populares durante el primer tercio del siglo XX. Las primeras grabaciones datan de los años cincuenta (Seamus Ennis, Burl Ives) y sesenta (The Highwaymen, The Seekers, Peter Paul & Mary, The Brothers Four, etc.), a menudo bajo otros títulos diferentes a “Whiskey in the Jar”; incluso es posible que exista una grabación más antigua, de 1941, a cargo de Lena Bourne Fish. La canción se hizo definitivamente conocida a partir de la versión del grupo folk irlandés The Dubliners, fue incluida en su álbum “More of the Hard Stuff” (1967). La letra de la canción tiene muchas variantes, en función de la versión o adaptación que escuchemos pero, en síntesis, nos cuenta la historia de una traición: un bandolero roba a un oficial, con el botín acude a su amada y ésta le jura fidelidad, sin embargo el oficial estaba escondido en la habitación de la chica, tal y como ella le había indicado; el bandolero, sorprendido y alarmado, saca su pistola y mata al oficial. Si aún os apetece seguir escuchando otras versiones de esta melodía tradicional, podéis probar con las de The Pogues & The Dubliners, The Grateful Dead, Christy Moore, Roger McGuinn & Tommy Makem, Johnny Logan, The Irish Rovers, Poxy Boogards, Celtic Thunder o Jerry García & David Grisman.

Ia i Batiste. “El Gessamí i la Rosa”

Ia & Batiste fue un dúo del underground barcelonés de los años setenta, una de las mejores propuestas que surgieron del aquel entramado conocido como música layetana, en el que se integraban bandas de folk-rock, psicodélicas y progresivas, cantautores, incluso grupos de baile como la Orquesta Platería o rumberos como Gato Pérez. Josep Maria Clua, más conocido como Ia Clua, se había formado en el entorno de la canción catalana, en grupos como Dos + Un; Jordi Batiste se inició en la banda Els 3 Tambors, aunque acabaría abandonando el folk para integrarse en Màquina!, una de las formaciones más importantes que ha dado el rock progresivo español (otro día os hablaré de ella). Por lo tanto, Ia Clua se encontraba cómodo con la poesía y el lirismo como aliados, mientras que Jordi Batiste se acercaba más a la psicodelia y la música experimental. Según nos cuentan en la web La Fonoteca, ambos coincidieron en los estudios de Radio Barcelona, en una actuación de Màquina!; poco después, ante la imposibilidad de crear un supergrupo apadrinado por Serrat, decidieron constituirse como dúo e iniciar los ensayos en el barrio de Horta, en Barcelona. Se presentaron en el campo de fútbol del barrio de Sants, y publicaron su primer disco (“Un gran día”) en 1972, con canciones en catalán y en inglés. En opinión de Àlex Gómez-Font (Barcelona, del rock progresivo a la música layetana y Zeleste. Lleida: Milenio, 2011; págs. 78-79), “Un Gran Día es una mezcla anárquica de canción catalana, música experimental y progresiva con raíz anglosajona y ecos de grupos como los Beach Boys, Crosby Stills & Nash, Jaume Sisa …” Tres años después sacarían al mercado su segundo trabajo: “Chichonera’s cat” (1975), otro excelente álbum, producido por Serrat en su sello “Oliba”, en el que intervinieron músicos tan destacados como Max Sunyer, Kitflus, Francis Rabassa, Manel Joseph o Jordi Clua; Antonio José Barroso Rivera, en su Enciclopedia de la música progresiva en España (Sevilla: Castellarte, 2007; pág. 175), señala que el disco mantiene “el espíritu de los primeros trabajos de Sisa, Pau Riba, Vainica Doble” e incorpora influencias “del folk rock, con fuertes dosis de sonido ácido, desarrollado por grupos como la Incredible String Band [o] los argentinos Sui Generis”. Se separaron poco tiempo después, aunque en la década de los noventa se volvieron a reunir e incluso grabaron algún disco. El tema quizás más conocido de “Chichonera’s cat” fue “El gessamí i la rosa”, una delicada canción compuesta en lo musical por Ia Clua a partir de un poema de Josep Carner. Aquí podemos ver a Serrat cantando en directo la melodía que hoy nos ocupa, aquí tenéis la interpretación que hiciera Max Sunyer para su álbum “Jocs Privats” (1980) y ésta es una versión más reciente, a cargo del dúo XY.

Colliu la rosa de dia
i de nit el gessamí;
el gessamí en una tanca,
la rosa enmig del jardí.

Lleument, tendrament gronxada,
la rosa mor en un sí.

El gessamí, quan l’amada
s’ajeu, pàl-lida, a dormir,
el té viu, sense saber-ho,
als cabells que es descenyí.

La rosa fa enamorar-se
i el gessamí defallir.

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Gerry Mulligan (con Chet Baker) / Sarah Vaughan / Miles Davis. “My Funny Valentine”

“My Funny Valentine” es una de las canciones más versionadas de la historia, sobre todo en el ámbito del jazz, aunque también en otros estilos y por artistas bien alejados de este género. Formó parte del musical “Babes in Arms” que, protagonizado por Ray Mc Donald, Mitzi Green y Duke McHale, se estrenó el 14 de abril de 1937 en el neoyorkino Shubert Theatre de Broadway; fue representado en 289 ocasiones. Varios de los temas que formaron parte de esta obra tuvieron bastante difusión y fueron muy conocidos, pero no precisamente la pieza que nos ocupa, que ni siquiera llegó a ser grabada por ninguno de los actores que formaron parte del reparto original. Tampoco fue incluida en la película del mismo título, de 1939, que contó con Mickey Rooney y Judy Garland como actores principales; ni formó parte de la primera antología dedicada a los autores de la canción: Richard Rodgers y Lorentz Hart. Durante los años cuarenta esta melodía apenas era recordada más que por algunos cantantes de cabaret de Nueva York; también fue grabada, en 1947, por la orquesta de Hal McIntyre y por Margaret Whiting. Pero quien realmente la resucitó fue el trompetista Chet Baker; él la grabó en 1952 para el cuartero de Gerry Mulligan, aunque es muy probable que ya llevara años interpretándola. Desde entonces no dejó de versionarla, incluso cantada por él mismo. A partir de ese momento las interpretaciones de “My Funny Valentine” se hicieron frecuentes: Vic Damone, Frank Sinatra, Charlie Parker, Ella Fitzgerald, Carmen McRae, Anita O’Day, Ben Webster, Artie Shaw, Herbie Hancock, Keith Jarrett, Michael Buble y un larguísimo etcétera. Fuera del jazz también existen muchísimas versiones: Elvis Costello, Linda Rondstadt, Carly Simon, Kenny Rogers, Anita Baker, Leon Russell, Rod Stewart, etc. Para el segundo vídeo destacado me he quedado con Sarah Vaughan y para el tercero con Miles Davis, una versión obligada porque, como nos cuenta Ted Gioia (El Canon del Jazz: los 250 temas imprescindibles. Madrid: Turner, 2013), esta vez fue él quien siguió tras los pasos de Chet Baker, pues no grabó este estándar hasta octubre de 1956. Finalizo con la valoración técnica que, sobre este tema, realizó el mencionado Gioia que, a buen seguro, los buenos amantes del jazz sabrán apreciar:

“Esta canción, pese a su enorme fama, puede resultar un tanto lúgubre si no la dirige un solista de primera categoría. La secuencia de acordes es un refrito de una progresión bien conocida —Ellington usó una fórmula parecida, que combina una línea de bajo descendente con un acorde menor estático, en los compases iniciales de “In a Sentimental Mood” y de “It Don’t Mean a Thing (If It Ain’t Got That Swing)”, por citar solo dos ejemplos—; y la modulación del puente, que transporta la melodía a su mayor relativa, es más predecible que regalar bombones el 14 de febrero. Rodgers, sin embargo, culmina con maestría una melodía que sin ese clímax pecaría de simple, y sabe muy bien cuándo introducir el Mi bemol agudo para mayor dramatismo. Ahí reside, en mi opinión, el gancho irresistible de la pieza, un toque magistral que convirtió lo que podría haber sido una canción irrelevante en un clásico tan preciado”.

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The Zombies. “Time of the Season”

La British invasión fue, junto a la cita cultural conocida como “Verano del Amor” (en esta entrada ya hablábamos de ello), el movimiento musical predominante en los Estados Unidos a mediados de los sesenta. Grupos como The Beatles, The Animals, The Kinks, The Hollies, The Rolling Stones, The Yardbirds o The Who fueron protagonistas; algunos de ellos, como bien sabéis, acabaron teniendo mucha trascendencia en la música popular. The Zombies también formaron parte de este movimiento aunque tuvieron menos suerte que los grupos antes mencionados. Esta banda fue creada en St Albans (Inglaterra), en el año 1961, por Rod Argent (teclados), Paul Atkinson (guitarra), Hugh Grundy (batería), Chris White (bajo) y Colin Blunstone (voz). Grabaron cuatro álbumes de estudio, tres en 1965 –uno de ellos era, en realidad, una recopilación de singles- y el último, titulado “Odessey and Oracle”, en 1968; después se separaron, probablemente por disensiones entre los integrantes del grupo y por el deseo de iniciar sus respectivas carreras en solitario. Después tuvieron breves y esporádicas reuniones, incluso se reagruparon en 2001 (aún deben seguir en activo), aunque el período clásico de The Zombies fue el comprendido entre 1961 y 1968. “Odessey and Oracle” es un trabajo excelente, que inicialmente se grabó en mono y, para la edición americana, se volvió a grabar en estéreo bajo la producción de Al Kooper. La portada original, muy característica de la época, fue diseñada por Terry Quirk, amigo o compañero del teclista Rod Argent. El disco se cierra con la canción “Time of the Season”, compuesta por el mencionado Argent, un éxito inesperado pues, aunque fue publicado como single, lo hizo después de que aparecieran otros de este mismo Lp. Esta melodía se ha utilizado mucho en publicidad, en eventos deportivos, en películas y en series, a menudo para ilustrar lo que fue el final de los sesenta, cuando se podían escuchar canciones como ésta, desenfadadas y llenas de dobles sentidos en torno al amor libre y el sexo (aquí tenéis la letra, en español y en inglés). La parte musical es especialmente interesante, en ella destaca la interpretación vocal, el riff de bajo, muy parecido al de “Stand By Me” y, sobre todo, el trabajo a los teclados de Rod Argent: psicodelia, rock progresivo y jazz en medio de una pieza de corte pop. Los compañeros de la web Similar Rock, Similar Pop han encontrado un parecido razonable con la canción titulada “Sábado a la noche” (2002), de la banda argentina Juana la Loca ¿Qué opináis?

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Van Morrison. «If You Love Me»

Van Morrison, apodado “El León de Belfast”, lleva publicados cuarenta álbumes de estudio en solitario, a los que habría que sumar los directos, los recopilatorios, sus discos con Them y siete u ocho álbumes tributo. Desde luego, no son cifras habituales en el mundo de la música que puedan estar al alcance de cualquiera, y menos aún si tenemos en cuenta la calidad de estos trabajos. El primer single con Them lo publicó en 1964 y su primer Lp en solitario (“Blowin’ Your Mind!”) en 1967, por lo que lleva en la música más de cincuenta y cinco años; por supuesto, continúa en activo, ofreciendo conciertos en distintas partes del Mundo y grabando álbumes casi cada año (el último se editó en 2018: “The Prophet Speaks”). Con una trayectoria tan larga ha tenido tiempo de visitar muchos géneros musicales: música celta y folk irlandés, country, jazz, blues, R&B, rock, soul, etc., pero siempre con su particular e inigualable estilo, apoyado en los mejores músicos y en una voz que ha ido cambiando con el paso de los años, desde los tonos agudos de su juventud a la voz profunda de su madurez; así ha explicado su evolución vocal el propio Van Morrison:

“El enfoque ahora es cantar desde más abajo [del diafragma] por lo que no arruino mi voz. Antes, cantaba en la zona alta de la garganta, que tiende a arruinar las cuerdas vocales en el tiempo. Cantar desde más abajo en el vientre permite llevar más lejos la resonancia. Puedo estar de pie a cuatro pies de un micrófono y ser escuchado con bastante resonancia”.

En marzo de 1997 lanzó su vigésimo sexto álbum de estudio, titulado “The Healing Game” (lujosamente reeditado este mismo año), un disco en el que trabajaron músicos como Alec Dankworth (contrabajo), Phil Coulter (piano), Geoff Dunn (batería, percusiones), Leo Green (saxo) o Ronnie Johnson (guitarra), por mencionar sólo algunos. Entre las canciones más destacadas y conocidas podemos citar “Rough God Goes Riding”, “Sometimes We Cry”, “The Healing Game” o “If You Love Me”, una bella y sensual balada con cierta cadencia doo-wop, que Van Morrison engrandece gracias a la armónica y a su gran capacidad para transmitir. Apenas unos meses después de salir al mercado “The Healing Game” lo hacía “Deuces Wild”, a cargo del gran B.B. King, otro músico tan influente y prolífico como Van Morrison, no en vano este disco era su trigésimo quinto trabajo de estudio. “Deuces Wild” no es un álbum más en la discografía de B.B. King; contiene diecisiete canciones, cada una de ellas interpretada por una figura importante de la música: Eric Clapton, Tracy Chapman, Mick Hucknall (Simply Red), Bonnie Raitt, Dionne Warwick, Paul Carrack, David Gilmour, The Rolling Stones, Joe Cocker o Willie Nelson, entre otros. El disco comienza con una versión blusera de “If You Love Me” que os aconsejo no os perdáis, porque me parece un privilegio poder escuchar juntos a estos dos excepcionales músicos. Os dejo un enlace más, en este caso un directo de Van Morrison interpretando esta melodía.