Etiqueta: Rock & Roll

La Perra Blanco (con Carlos Tarque). “Came Back Home”

Alba Blanco nació el 31 de mayo de 1995, en la Línea de la Concepción (Cádiz), pero no tiene ni idea de flamenco y odia los carnavales, su suyo es el rockabilly más clásico, el que se hacía en la década de 1950. Tal y como puede leerse en su página web, se interesó por la música gracias a sus padres, ambos músicos; comenzó a tocar la guitarra a los trece años y, a los catorce, ya estaba encima de los escenarios. A los dieciocho años, tras interesarse antes por el heavy metal (Metallica, Slayer), el blues (Johnny Winter, Rory Gallagher), el jazz (Billie Holiday) o la psicodelia (The Doors, Jimi Hendrix), descubrió el R&R de pioneros como Jerry Lee Lewis, Carl Perkins o Little Richard. Así fue como nació el proyecto “La Perra Blanco”, un trío rockabilly que, en la actualidad, está formado por Guillermo González del Campo (contrabajo), Jesús López Benítez (batería) y, por supuesto, la líder del grupo: Alba Blanco Sánchez (voz, guitarra). Tocan tanto temas propios como versiones, y ya tienen cuatro discos: dos EPs (“La Perra Blanco”, 2021 y “Won’t You Come On”, 2022) y dos álbumes (“Bop & Shake”, 2019 y “Get It Out”, 2024.

En este último disco, lanzado hace unos meses, se han incluido doce temas; aquí podéis escuchar el disco, pero podéis empezar con la canción que encabeza esta entrada, “Came Back Home”, que cuenta con un invitado de excepción: Carlos Tarque, el líder de la banda M Clan. Os puedo asegurar que este grupo, con Alba a la cabeza, está siendo la sensación en el mundo del rockabilly (tanto en España como en algunos países de Europa); las entradas para la gira promocional de su último disco se han vendido a toda prisa, de hecho, yo me quedé sin ella porque, cuando me quise dar cuenta, ya no quedaba ninguna, y creo que ha pasado lo mismo en muchas localidades. La propuesta de La Perra Blanco está llena de energía, vitalidad y amor por el R&R más salvaje; si os queréis hacer una idea de cómo se las gasta este grupo en directo, lo podéis ver en estos cinco vídeos (1, 2, 3, 4 y 5). También os recomiendo una entrevista buenísima para Rock FM (aquí la tenéis), de la que he extraído algunas frases para que conozcáis mejor a Alba Blanco:

“Empecé tocando la guitarra heavy metal (…) tocaba Slayer y Metallica. Ahora es como un suicidio si me lo pongo, sería horrible escucharlo”

“Muchas veces vas a ver música en directo y es una cosa aburrida, que sales de allí y ves a la gente aburrida. Yo no voy a ese tipo de conciertos, pero veo las reacciones de la gente. Y los ves con cara de querer morirse, y se van a su casa bostezando (…) ¿Qué han visto estas personas que se van con cara de asco? Yo intento hacer justamente lo contrario (…) traer el concepto de rocanrol (…) una  música divertida, que es para pasárselo bien, y el concepto de R&R cuando nació en los años cincuenta (…) Qué salgas sudado, que salgas borracho y que te lo pases de puta madre”.

“[Estoy] superagradecida de poder mostrar esta música. Es música rancia, por así decirlo, que no está de moda, que está luchando contra el mercado de la música, la música latinoamericana, que es lo que venden (…) y la música comercial pop, y todo eso”.

“Yo me siento supercontenta que a la gente le guste. También, es que viene mucha gente a nuestros conciertos que no ha escuchado nunca R&R. Yo toco un tema de Little Richard, uno de Carl Perkins … Y la gente está escuchando música de los años cincuenta y ni lo sabe. Es cuando digo yo: se la he metido ’doblá’”.

Dion / Los Pekenikes / Peawees. “Runaround Sue”

Dion Francis DiMucci, más conocido con el nombre artístico de Dion, es un cantante y compositor estadounidense nacido en 1939, en el seno de una familia italoamericana del Bronx (Nueva York -EE.UU.-) Desde pequeño acompañó a su padre, artista de vodevil, y pronto se interesaría por géneros como el country, el blues o el doo-wop. Se unió al grupo vocal The Belmonts, formado por tres amigos del barrio, en 1957; juntos publicaron cuatro álbumes de estudio y uno en vivo. La adicción a la heroína de Dion, y las diferencias (musicales y económicas) existentes entre ellos, acabarían con la salida de Dion del grupo. Grabaron sus temas más conocidos (“A Teenager in Love”, “I Wonder Why” o “Where or When”) entre 1957 y 1960.

Los primeros álbumes de Dion en solitario fueron grabados por la discográfica Laurie Records, se titularon “Alone With Dion” (1961) y “Runaround Sue” (1961); éste último conquistó las listas de éxitos estadounidenses, sobre todo gracias al tema homónimo que, a ritmo de R&R y doo-wop, trataba de prevenirnos sobre Sue, la chica que enamoró al narrador de la canción y que, después, frecuentó a todos los chicos del barrio. Según ha comentado el propio Dion, comenzó a componer esta melodía en una fiesta de cumpleaños, entre improvisaciones de los asistentes, palmas a ritmo de doo-wop y el tema “Quarter to Three”, de Gary US Bonds, como fuente de inspiración.  Dion presentó el germen de “Runaround Sue” a su amigo Ernie Maresca, que se estaba iniciando en la composición musical, y juntos desarrollaron la letra y la melodía. En marzo de 1963, Dion se casó con Susan Butterfield, a quien le gustaba decir que la Sue de la canción era ella; según ha manifestado Dion, la canción estuvo realmente inspirada en otra chica, de esas a las que les gustaba gustar, el tipo de chica que, cuando le expresas tu amor por ella, en seguida se va. Aunque no fueron recogidos en los créditos de estos dos primeros discos de Dion en solitario, el italoamericano contó con un apoyo de excepción: el grupo de doo-wop The Del-Satins. Si nos fiamos de la información suministrada por este vídeo, esta formación fue la que también acompañó a Linda Laurie en su versión; como la de Dion, publicada en 1961, aunque con otro título: “Stay at Home Sue”. Curiosamente, existe otra versión de 1961 con otro título y letra diferentes («I’m No Run Around«), a cargo de Ginger Davis & The Snaps.

Entre 1961 y 1963, se publicaron más versiones, como las de Doug Sheldon, Chubby Checker, Del Shannon, Jerry Williams y varias en otros idiomas, como croata (Bijele Strijele), neerlandés (Anneke Grönloh), español (Los Pick-Ups, Quique Roca su conjunto y Susi), francés (Les Chaussettes Noires), alemán (Ronny Twen) o italiano (Remo Germani). El segundo vídeo destacado de hoy pertenece al grupo español Los Pekenikes; esta interpretación fue grabada en 1962, en inglés, cuando esta banda aún no se había convertido en el gran grupo instrumental de la música pop española, creo que el cantante era Junior -el mismo que, años después, formaría parte de Los Brincos-. Después de 1963 se han seguido haciendo versiones: John Cafferty, Sha Na Na, Leif Garrett (muy conocida), Human Nature, Gary Glitter, Roberto Carlos (en portugués), Status Quo, Houndmouth, The Frattellis, Guillotine Riot o la de los italianos Peawees. Ésta última es nuestra tercera opción de hoy, a medio camino entre el rocanrol garagero y el punk.

Buck Owens / Fats Domino / Shocking Blue. “Sally Was a Good Old Girl”

Harland Howard (1927-2002) fue un compositor estadounidense que destacó, principalmente, en el ámbito de la música country, probablemente sea uno de los más destacados del género. Aficionado a la lectura desde niño y al programa de radio “Grand Ole Opry”, comenzó a escribir canciones a los doce años. Tras servir al Ejército de su país, como paracaidista, intentó abrirse camino como compositor profesional de melodías country. En 1958 llegó al número 2 de las listas de este estilo con su tema titulado “Pick Me Up On Your Way Down”, interpretado por Charlie Walker. Después , a lo largo de varias décadas, escribiría canciones como “Heartaches By The Number”, “I Fall to Pieces”, “She Called Me Baby”, “Everglades”, “Busted”, “Chokin’ Kind”, “She’s Gone Gone Gone”, “I Wish I Could Fall in Love Today” y un largo etcetera, cantadas por grandes figuras del folk y la música country, como Johnny Cash, The Kingston Trio, Buck Owens, Hank Cochran, Waylon Jennings, Conway Twitty, Patty Loveless, Lefty Frizzell, Willie Nelson, Dwight Yoakam, Jim Reeves, Barbara Mandrell o Brenda Lee, por citar solo algunos nombres, porque la lista es infinita.

“Sally Was a Good Old Girl” es otro de los temas compuestos por Harlan Howard, una animada composición sobre “una buena chica”, que fue grabada por primera vez por Hank Cochram (aquí la tenéis). según nos cuenta Eduardo de Frutos en su imprescindible web River of Country, un cantante y compositor nacido en 1935, amigo de Harland Howard. Fue el primer single que Hank Cochram grabó como cantante, lo hizo en 1962 y, posteriormente, en 1965, acabó incluyendo esta canción en su primer álbum (“Going on Training”). El siguiente en grabar “Sally Was a Good Old Girl” debió ser el crooner Bobby Darin; lo hizo en 1963, al igual que Buck Owens, el creador del sonido Bakersfield –aquí hablábamos de Owens y de este subgénero del Country-, que contó con este tema para su disco “On The Bandstand”. También de 1963 son las versiones de Rusty York y Roy Clark. Un año después se publicarían las de Waylon Jennings y Fats Domino, precisamente nuestra segunda opción destacada de hoy. Si la interpretación de Buck Owens ya se encuentra equidistante entre el country y el rock, la de Fats Domino es decididamente rocanrolera, dentro de los parámetros del R&B característicos de este artista. En la década de 1960 también se grabaron otras versiones de esta canción, como las de Lee Hazlewood o Trini Lopez. En 1970 se publicó la de los neerlandeses Shocking Blue -con la cantante Mariska Veres a la cabeza-, nuestra tercera opción de hoy; incluyeron esta canción en su tercer álbum de estudio, el titulado “Scorpio’s Dance” (1970). Y finalizo recordando dos versiones más, la de Conway Twitty, de 1975, y la de la cantante (creo que búlgara residente en noruega) Valentina Boyanova, del año 2007.

Harland Howard (1927-2002)

Jan & Dean / The Lively Ones / Ramones. “Surf City”

Jan and Dean fue un dúo de R&R y surf pop formado en 1958 entre dos amigos, Jan Berry y Dean Torrance, que se conocieron en un instituto de Los Ángeles (California -EE.UU.-) donde jugaban al fútbol americano y compartían su pasión por la música negra, en especial el doo-wop. Junto a otros compañeros, aún en edad escolar, crearon la banda The Barons y, posteriormente, comenzarían su carrera musical con una serie de singles publicados a finales de la década de 1950 y comienzos de la siguiente. Sin embargo, no lograrían definir su estilo hasta que conocieron a los Beach Boys, en el verano de 1962. El grupo de Brian Wilson, que comenzaba a ser famoso en el ámbito de la música surf, compartía cartel con Jean and Dean en clubs de adolescentes e, incluso, llegaron a tocar como grupo de respaldo del dúo durante algunos espectáculos en vivo. Jan Berry y Brian Wilson fueron amigos y entre ellos hubo conexión musical; un ejemplo de ello lo tenemos en la canción “Surf City” (1963), compuesta por ambos después de que coincidieran en una fiesta.

Brian Wilson les toco al piano “Surfin’ USA”, a Jan y Dean les gustó la canción y se la pidieron para lanzarla como sencillo; Brian les dijo que eso era imposible porque la iban a publicar con los Beach Boys. En su lugar, les sugirió el tema “Surf City”, inicialmente titulado «Goody Connie Won’t You Come Back Home», y les dejó un boceto del tema. Jan acabaría la canción, con la ayuda de Dean -aunque éste no aparece en los créditos-, cuando Wilson ya se había olvidado de esta melodía. Al parecer, al mánager de los Beach Boys, Murry Wilson -padre de Brian-, no le gustó nada que Jean and Dean publicaran esta canción, aunque Brian estaba orgulloso de que una melodía suya hubiera llegado al número uno en las voces de otros artistas. Efectivamente, “Surf City” fue la primera canción de surf en llegar a lo más alto de las listas de éxitos y, sin duda, fue el espaldarazo que necesitaban Jean and Dean para triunfar en la música. Lamentablemente, todo acabó para ellos en 1966, cuando Jan Berry sufrió un grave accidente que le llevó al coma y, finalmente, lo mantuvo alejado de la música de por vida; Dean Torrance intentó, sin éxito, la carrera en solitario, acabó dedicándose al diseño gráfico.

Esta desenfadada canción en torno a una ciudad paradisiaca donde hay dos chicas para cada chico, y donde todo es diversión, fiesta y surf, tiene una versión instrumental, la de los californianos The Lively Ones, publicada en el mismo año que el original (1963). Durante esta década continuaron publicándose otras, como las de The Tymes, Jalopi Five, The Rip Chords, The Delltones o Jimmy and Joe. De entre las versiones que se han hecho después, destaca la de Ramones, incluida en su penúltimo álbum de estudio (“Acid Eaters”, 1993) -precisamente nuestra tercera propuesta destacada de hoy-, así como las debidas a The Meteors y Go-Go’s, que formó parte de un concierto homenaje a Brian Wilson celebrado en 2001.

Creedence Clearwater Revival / Ike & Tina Turner. “Proud Mary”

Tina Turner, la reina del rock, nos dejó el pasado 24 de mayo, a consecuencia de las múltiples enfermedades (cáncer intestinal, insuficiencia renal, accidente cerebrovascular, etc.) que venía padeciendo desde el año 2013. De raíces afroamericanas, cheroqui y navajo, Anna Mae Bullock (su verdadero nombre) no debió gozar de una infancia excesivamente feliz: vivió mucho tiempo -junto con su hermana- en casa de su abuela paterna, debido a la dejadez de funciones de sus padres, y tuvo que trabajar desde muy joven obligada por su madre, de quien llegó a decir que nunca la quiso. Nació en Brownsville (estado de Tennessee -EE.UU.-), en el año 1939, pero fue en San Louis Este (estado de Illinois) donde se inició como cantante, concretamente en el Manhattan Club, donde habitualmente actuaban Ike Turner y su banda. El idilio (musical y personal) entre Ike y Anna Mae fue casi inmediato; ella le dejó sin palabras y él le enseñó algunos de los rudimentos y fundamentos elementales para cantar en público. Anna Mae se incorporó como cantante al grupo y, hacia 1960, Ike decidió que tomara el nombre artístico de Tina, y que la banda se denominara Ike & Tina Turner. El éxito no tardó en llegar; tras su primer single (“A Fool in Love”, 1960), llegarían grabaciones muy exitosas, como “It’s Gonna Work Out Time”, “I Idolize You”, “River Deep – Mountain High” -canción que tiene entrada propia en este blog- o el tema que hoy nos ocupa: “Proud Mary”. Lamentablemente, la historia de Tina Turner junto a su marido Ike también tuvo una horrible cara B; tal y como nos cuenta Marta en su web We Are Rock,

“en el escenario todo era magia, luces y color, pero una vez se apagaban los focos, se encendía el fuego del infierno. Tina conoció a Ike siendo una adolescente pueblerina recién llegada a la ciudad, cayó rendida a sus pies y él le enseñó una base musical que ella supo desarrollar como nadie, pero Tina no le debía nada, aunque él le hacía creer que sí. Pronto Ike la dejó embarazada y se casó con ella, con el único objetivo de mantener la mina de oro a su lado. Los maltratos físicos no empezaron como tal hasta después del parto del primer hijo del matrimonio, pero los maltratos psicológicos estaban presentes desde el principio y durante mucho tiempo Tina los justificaba con el estrés que Ike padecía. Antes de actuar en Los Angeles en un show de 1968, Tina trató de suicidarse ingiriendo 50 pastillas de Valium después de una fuerte pelea con Ike.”

We Are Rock

En 1978, Tina consiguió separarse de Ike, y se animó a iniciar una exitosa carrera en solitario, al principio un tanto titubeante y, durante la década de 1980, verdaderamente deslumbrante; aquí os dejo una fabulosa grabación en directo de 1988, interpretando “Proud Mary”. Al igual que sucedió con muchos de los temas que incluyó Ike Turner en su repertorio, “Proud Mary” era realmente una versión, en este caso de John Fogerty, líder de la banda californiana Creedence Clearwater Revival, a la que ya hemos dedicado varias entradas. Este tema fue incluido en el segundo álbum de estudio de la Creeedence, con ese clásico estilo tan característico de ellos, entre el country rock, el rock sureño y el R&R (es el primer vídeo que presentamos en este post).

También de 1969 son las versiones de Solomon Burke, Conway Twitty, Gary Lewis & The Playboys, Checkmates, Bobby Goldsboro, Mongo Santamaria, Steve Miller, Leonard Nimoy, The Ventures, The Tremeloes o Eddie Floyd, mientras que la Ike & Tina Turner es de 1971, con ese inolvidable arreglo que divide la canción en dos partes bien diferenciadas: la primera suave, recitada, y la segunda con mucha energía rocanrolera. Tras la interpretación de Ike & Tina Turner, quizás más conocida y exitosa que el original de la Creedence, llegaría un aluvión de versiones, como las de Tom Jones, Elvis Presley, Brenda Lee, The Hamilton County Bluegrass Band, Frankie Laine, Lynn Anderson, Broherhood of Man, Neil Sedaka, George Jones & Johnny Paysheck, Tina Turner & Beyoncé, Status Quo, Peawes, James Bay, Haymaker o los argentinos Alakrán. También hay versiones en otros idiomas, como en francés (Claude François, Johnny Hallyday), español (Seguridad Social), italiano (Il Nuovo Angeli), chino (Rita Chao), danés (Rock Nalle & The Flames), finlandés (Tapani Kansa) o hebreo (Gidi Gov), incluso especialmente pensadas para bebés (Sweet Little Band).

Esta canción nos habla de alguien que dejó su trabajo como lavaplatos en Memphis para viajar en el “Mary Elizabeth” -uno de esos barcos a vapor con paletas que navegaban desde Nueva Orleans a lo largo del Mississippi- en busca de nuevas oportunidades; aunque para Tina Turner, durante los años ochenta, quizás significó algo más, tal vez un grito reivindicativo y una expresión de autoafirmación y libertad.

Tras este pequeño homenaje a Tina Turner, nos tomamos unas vacaciones blogueras, volveremos en septiembre ¡Feliz Verano para todos!

Tina Turner (1939-2023), in memóriam