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Michael Jackson. “Beat it”

“Thriller” (1982) es uno de los discos más vendidos en la historia de la música, algunas listas lo sitúan entre los 51 y los 65 millones de copias. Fue el sexto álbum de estudio del estadounidense Michael Jackson, fallecido en 2009 cuando apenas tenía cincuenta años. Bien podría decirse que fue el trabajo que lo encumbró como estrella indiscutible del pop, por su apuesta musical, por los bailes coreografiados preparados para la ocasión y por esos espectaculares videoclips, que fueron pioneros en la utilización de este recurso como herramienta de promoción por la industria musical. La producción corrió a cargo de Quincy Jones y del propio Michael Jackson, y en él intervinieron varios de los componentes de la banda Toto como músicos de sesión, en concreto Jeff Porcaro (batería), Steve Porcaro (teclados), David Paich (teclados) y Steve Lukather (guitarra). De las nueve canciones de las que se compone este disco, cuatro fueron escritas por Michael Jackson: “Wanna Be Startin’ Somethin’”, “The Girl is Mine”, “Billy Jean” y “Beat it”, todas ellas fueron lanzadas como singles, al igual que las tituladas “Human Nature”, “P.Y.T.” y la archiconocida “Thriller”, cuyo vídeo musical fue dirigido por el cineasta John Landis.

“Beat it” es, probablemente, el tema más rockero del repertorio de Michael Jackson; parece que quiso componer un tema de rock a su gusto, aunque la idea partió de Quincy Jones, él fue quien le animó a que escribiera una melodía del tipo de “My Sharona”, de la banda The Knack, con una letra sobre las peleas y los códigos de honor de las pandillas callejeras. Como Jackson no estaba familiarizado con estos ambientes, utilizó su propia fuente de inspiración: el musical “West Side Story”. En “Beat it” se escuchan dos guitarras, la de Steve Lukather y la de Eddie Van Halen. Fue Quincy Jones quien se puso en contacto con Eddie para preguntarle si quería colaborar en el álbum; al principio pensó que era una broma y colgó el teléfono varias veces; cuando se dio cuenta que era verdad decidió colaborar, aunque sin cobrar nada, ya que los integrantes de Van Halen tenían prohibido acometer proyectos en solitario. Aprovechando que sus compañeros estaban de viaje, grabó el solo de guitarra mientras Jackson estaba trabajando en otros temas. Durante la grabación se incendió uno de los monitores de la sala de control, algo que fue aceptado como signo de buen presagio; además, se coló un sonido, que finalmente dejaron, ocasionado por el propio Michael Jackson al golpear la batería. El vídeo oficial de “Beat it” costó ciento cincuenta mil dólares y fue realizado por Bob Giraldi; en él intervinieron bailarines profesionales y pandilleros auténticos.

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Creedence Clearwater Revival / Bo Diddley / Hayseed Dixie. «Bad Moon Rising»

“Brasil, decime qué se siente / tener en casa a tu papá / Te juro que aunque pasen los años / nunca nos vamos a olvidar / Que el Diego te gambeteó / que Cani te vacunó / que estás llorando desde Italia hasta hoy / A Messi lo vas a ver / la Copa nos va a traer / Maradona es más grande que Pelé”.

La Copa Mundial de Fútbol del año 2014 se celebró en Brasil, el país con más títulos en esta competición, cinco en total. Las frases que encabezan esta entrada fueron improvisadas por la afición de la selección nacional de Argentina, los eternos rivales de los brasileños, para animar a su selección y, de paso, ridiculizar a los organizadores del torneo. Todos cantaban esta canción, titulada «Brasil, decime qué se siente«, tanto los hinchas como los jugadores; podría decirse que se convirtió en algo así como himno oficioso de Argentina, sobre todo a raíz de que los anfitriones perdieran por 7 a 1 contra la selección alemana, la misma que ganó el Mundial tras vencer en la final a Argentina. No era la primera vez que los argentinos utilizaban esta melodía; con letras diferentes, ya había sido manejada por los seguidores de San Lorenzo de Almagro, Boca Junios y otros equipos, incluso por grupos y asociaciones de corte político (aquí lo explican con más detalle). Como bien sabréis muchos de vosotros, el tema original, titulado “Bad Moon Rising”, fue compuesto por John Fogerty en 1969 para su banda Creedence Clearwater Revival; fue el primer single de “Green River”, el tercer álbum de estudio de los californianos, habituales de este blog a través de canciones como “Cotton Fields”, “I Heard it Through the Grapevine”, “Good Golly Miss Molly”, “Susie Q” o “Have You Ever Seen the Rain?”

El ritmo alegre de “Bad Moon Rising”, entre rocanrolero y country, contrasta con la apocalíptica letra; tal y como ha reconocido el autor, la canción habla sobre el fin del Mundo y está inspirada en la película “El hombre que vendió su alma” (1941), en concreto en una escena en la que un huracán arrasa el pueblo. Es uno de los temas más conocidos de Creedence Clearwater Revival, de los más utilizados en películas, series, anuncios publicitarios o videojuegos; y, por supuesto, tiene muchas versiones. Os voy a proponer dos algo alejadas en el tiempo; la primera fue grabada un par de años después del original por el estadounidense Bo Diddley, en su álbum “Another Dimension” (1971); la segunda, algo más reciente, pertenece a la banda de bluegrass Hayseed Dixie, y formó parte de su EP “You Wanna See Something Really Scary?” (2006). “Bad Moon Rising” ha sido versionada por otros músicos al modo clásico, es decir, conservando la esencia marcada por la Creedence; en este sentido, podemos citar las interpretaciones de Larry Morris, The Ventures, Emmylou Harris, Jerry Lee Lewis, el propio John Fogerty, Bruce Springsteen, Just the Boyz o Ann Wilson. Pero también tiene muchas versiones bien diferentes del original y en estilos diversos, como el grunge (Nirvana), el punk (Lagwagon o V8 Wankers), el psichobilly (Stage Frite o The Meteors), cercanas al pop y al indie (The Reels, Arborea o A-Sides Club), al rap-reggae (Ozomatli) o al género americana (16 Horsepower).

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Amparanoia. «La Fiesta»

Amparo Sánchez, nacida en Alcalá la Real (Jaén) como Amparo Mercedes Sánchez Pérez, se inició en la música en Granada con su banda Corrrecaminos; en 1993 se trasladó a Madrid, allí grabó su primer disco (“Haces bien”), creó el grupo The Gang y, posteriormente, otro llamado Ampáranos del Blues, con el que abandonó su circuito habitual de bares y locales del barrio de Malasaña para actuar por toda España, a la vez que exploraba nuevas vivencias en territorios franceses (Marsella) y marroquíes (Essasouira). Durante su estancia en Madrid compaginó la actividad musical con trabajos de camarera, como el que tuvo en el bar “Tío Vinagre”, donde conoció a Manu Chao y a los miembros de Radio Bemba; según cuenta Tereixa Constenla en un artículo publicado en El País, el proyecto de Amparanoia -la banda que hizo popular a Amparo Sánchez-, surgió en 1996, cuando escribió en una servilleta de bar las siguientes palabras: “Amparo, Paranoia, Power Machín”. Precisamente, el primer disco de Amparanoia se tituló “El poder de Machín” (1997); éste álbum es la quintaesencia de la fusión, un trabajo esencialmente pop en el que también podemos encontrar ritmos procedentes de estilos tan diferentes como el rock, el blues, el bolero o la ranchera; muchos llamaron a Amparo la Manu Chao española. El estilo ecléctico e integrador de Amparanoia se fue afianzando con los siguientes álbumes (“Feria furiosa”, 1999; “Llámame mañana”, 2000; “Somos Viento”, 2002; “Enchilao”, 2003; y “La vida te da”, 2006), que fueron incorporando otros géneros -como la rumba, el reggae, las rancheras o los corridos- a este sabroso cóctel de culturas y sonidos.

Amparo Sánchez disolvió Amparanoia en 2008 para continuar su carrera en solitario. Durante estos años ha grabado varios álbumes, incluso ha escrito un libro (La niña y el lobo. Alicante: Lupercalia, 2015), una “historia de violencia machista y superación”, en el que Amparo nos habla de la que fue su vida entre los catorce y los veinticuatro años; se quedó embarazada a los quince, dos años después se casó con el padre de su hijo, y “los siete años siguientes fueron un carrusel de violencias, perdones y mentiras para disimular el origen de los moratones” (la cita es de Tereixa Constenla). La canción titulada “La Fiesta” (aquí tenéis una versión, de 2017, junto a Fito Cabrales) la escribió para el álbum “Somos Viento” (2002); en ella, Amparo nos recuerda, con toda la frescura y el optimismo que caracteriza su música, que “para las mujeres sensibles no hay misión imposible» y que la fiesta la puede llevar cada uno en su interior: “Seguiré esperando, aunque me duela amor. Algo que hacer, alguien a quien amar, con quien contar y algo de esperanza. Seguiré caminando, seguiré soñando, aunque me duela”.

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Latte e Miele. “Il Calvario”

De vez en cuando la escena progresiva italiana, una de las más importantes del rock sinfónico setentero, encuentra acomodo en este blog; tras Premiata Forneria Marconi, Banco del Mutuo Soccorso y Dalton, le toca el turno a Latte e Miele, una formación genovesa creada en 1971 en formato de trío, al estilo Emerson Lake & Palmer, con Olivero Lacagnina (teclados, voz), Marcello Giancarlo Dellacasa (guitarra, bajo, voz) y Alfio Vitanza (batería, flauta, voz) como integrantes. Su primer álbum fue “Passio Secundum Mattheum” (1972), del que hablaremos a continuación; en 1973 sacaron un nuevo disco al mercado (“Papillon”) y fueron teloneros de la banda Van Der Graaf Generator; en 1974, año de su separación, publicaron un álbum en vivo y algunos singles. Dos años después volverían a reunirse a partir de una formación liderada por el batería Alfio Vitanza, con un planteamiento más melódico y menos progresivo, sobre todo a medida que se adentraban en los años ochenta. La formación original, junto con Massimo Gori (bajo, guitarra, voz), que se incorporó al grupo en 1975, volvió a juntarse en 2008, a partir de entonces han ofrecido conciertos y han grabado discos, sin ir más lejos una revisión o reformulación (de 2014) de su primer álbum, con más arreglos y mejores medios técnicos de los que dispusieron en 1972 (aquí lo podéis escuchar).

Aunque la producción original de “Passio Secundum Matheum” (sólo he conseguido esta lista de reproducción para que podáis escuchar el disco entero) no es excesivamente brillante, estamos ante un trabajo creativo notable, en el que los autores consiguen ensamblar los textos del Evangelio de San Mateo con fragmentos de música clásica inspirados en la obra de Johann Sebastian Bach y con el habitual desarrollo instrumental del rock progresivo. En una edición anterior a la reformulación de 2014 citada anteriormente, cuando se digitalizó el trabajo para venderlo como CD, se incluyó un bonus track, en concreto el tema “Mese di Maggio”, una bonita melodía de corte pop-rock que, sin embargo, no casa bien en un Lp tan solemne y sombrío como éste. Aunque os recomiendo, dado su carácter narrativo y conceptual, que escuchéis el álbum completo, podéis comenzar con uno de los cortes que, al menos en mi opinión, me parecen más interesantes, el que lleva por título “Il Calvario”. Comienza con una breve introducción coral dramatizada que pronto da paso a un órgano majestuoso y sacro, de corte muy clásico y ambientación lúgubre. En el minuto 3:05 entra la batería con ritmo funerario, como si fuera una saeta, incorporándose después los coros; la tristeza ya nos invade. Un minuto después hace su aparición la guitarra eléctrica, a modo de incisivo lamento, que se apodera de la canción al incrementar la sensación de dramatismo y pérdida, en un crescendo al que se incorporan los coros. Después (minuto 6:07) entra la guitarra acústica sobre un fondo orquestado y un recitado del Evangelio.

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Otis Redding / Sammy Haggar / Playing for Change. “(Sittin’ On) The Dock of the Bay”

El Festival Internacional de Música Pop de Monterrey se celebró en la localidad californiana de Monterrey (EE.UU.), entre el 16 y el 18 de junio de 1967; acudieron a él más de cincuenta mil personas y, a menudo, está considerado como el precursor del Festival de Woodstock (1969). El listado de participantes en este evento es espectacular: Eric Burdon & The Animals, Laura Nyro, Buffalo Springfield, Jimi Hendrix, Big Brother & The Holding Company (con Janis Joplin), The Who, Canned Heat, Ravi Shankar, The Steve Miller Band, etc. Según cuentan las crónicas, una de las actuaciones más brillantes de este festival, al que mayoritariamente acudió público blanco, fue un negro que hacía soul: Otis Redding; cantó, con el apoyo de la banda Booker T. & The M.G.’s, una versión del “Satisfaction” de los Rolling Stones e interpretó su tema “Respect”, que acabara popularizando Aretha Franklin (aquí tenéis la entrada que, en su día, dedicamos a esta canción). Un par de meses después de su éxito en Monterrey, en agosto de 1967, estaba de gira con su nueva banda: Bar-Keys; durante una de las pausas de esta gira, comenzó a escribir los primeros versos de una canción que inicialmente tituló “The Dock of the Bay”, que surgió al ver la panorámica que le ofrecía la casa-barco en la que se encontraba, en el puerto de Waldo Point de Sausalito (California -EE.UU.-) Redding continuó trabajando en la canción durante los meses siguientes, aunque de manera desordenada y poco productiva debido a sus continuos viajes. Fue Steve Crooper, guitarrista de Booker T. & The M.G.’s y productor de la discográfica Stax, quien acabó por dar forma a la canción:

“Otis era de esos tíos a los que se le ocurren cien ideas. Cada vez que venía a grabar, siempre tenía diez o quince introducciones o títulos o lo que fuera. Había estado en San Francisco, tocando en The Fillmore, y se quedaba en una casa barco, de donde sacó la idea del barco que entraba. Eso era lo único que tenía: ‘I watch the ships come in and I watch them roll away again’ (‘Veo a los barcos entrar y les veo alejarse de nuevo’). Yo cogí eso y acabé la letra” Steve Crooper, consultado en EfeEme.com).

“(Sittin’ On) The Dock of the Bay”, como al final se llamó el tema, fue grabado los días 22 de noviembre y 7 de diciembre de 1967, aunque ninguna de esas tomas debería haber sido la definitiva; aún faltaba el último verso, que Redding sustituyó provisionalmente por un silbido, probablemente pensaría que ya habría tiempo de terminar la canción. Sin embargo, no fue así; tres días después de la segunda toma, Otis Redding fallecía, al igual que todos los miembros de su banda excepto Ben Cauley, en un accidente de avioneta en las afueras de Madison (Wisconsin -EE.UU.-), tenía veintiséis años. Steve Crooper acabó de mezclar la canción y añadió los característicos efectos de sonido que recuerdan al mar: olas y sonidos de gaviotas. El tema se incluyó en el disco póstumo “The Dock of the Bay” (1968). Para acompañar a Otis Redding, he optado por el rockero Sammy Hagar, que grabó la canción en 1979, y por la iniciativa Playing for Change. No obstante, hay más versiones; aquí os dejo las de Glen Campbell, Cher, Jim Ed Brown, Don Partridge, Percy Sledge, Peggy Lee, The Staple Singers, Tom Jones, The Dells, Little Richard, Waylon Jennings & Willie Nelson, Luther Allison y Neil Young.

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